COLECCIÓN TRANSATLÁNTICA / PORTBOU

Eduardo Milán responde a Arturo Borra

2012-01-22T02:40:00.000-08:00

El poeta argentino Arturo Borra hace 10 preguntas fundamentales a Eduardo Milán aquí.

Sonia Betancort escribe sobre ZURITA

2012-01-14T13:47:00.000-08:00

En el blog de Sonia Betancort se puede leer su artículo sobre ZURITA, el nuevo libro de Raúl Zurita, donde se detiene en Cuadernos de guerra, uno de los libros que adelanta material de la edición definitiva y que es el que está disponible en España.

Sonia Betancort: "Raúl Zurita: La epopeya se escribe con sueño y vigilia" en
Cuadernos Hispanoamericanos (diciembre, 2011), 738, pp. 71-76.

Todo poeta es una isla. Entrevista a José Kozer

2012-01-07T10:23:00.000-08:00

En este video, la directora de la Capilla Alfonsina, Minerva Margarita Villarreal, entrevista al poeta cubano José Kozer, a quien identifica como una especie de Lope de Vega contemporáneo, como una figura que da marco a un nuevo siglo de oro en la literatura. El poeta habla aquí de su abordaje poético de la muerte, un tópico que lo ha perseguido y que tal vez sintetizaría en estos versos de su poema "la muerte se disfraza de muerte": la muerte nunca nació ─aunque, admite, existe un miedo hacia ella; miedo ante el que la poesía se erigirá como una tentativa de "salud ante el escándalo de la muerte". Kozer nos habla de la labor del poeta como un oficio de hormiga o araña hilandera; esto le da ocasión para recordar a sus padres (ambos sastres y tejedores, uno de oficio, la otra de afición), a quienes reconoce como marcas simbólicas en su asunción por la escritura. Kozer habla también de la expatriación; asume que su salida de Cuba hacia los EEUU le generó una parálisis escritural ante el alejamiento de su idioma, pues, como consigna Kozer: el poeta está condenado a su lengua materna. El poeta nos cuenta aquí de su frustración, de su abandono de la escritura y de cómo paradójicamente el alcohol lo salvó, pues lo puso de nuevo en contacto con el lenguaje que, nos dice, llevaba atorado en el plexo. Al fin, trascendiendo lugares comunes de pertenencia, Kozer concibe la suya como una ciudadanía universal: yo soy chileno porque soy japonés y soy japonés porque soy judío. Para terminar la entrevista, Villarreal y Kozer discurren brevemente sobre algunas particularidades formales en la escritura del poeta, quien reconoce su uso abundante de paréntesis como un peaje simultáneo, imagen con la que él mismo resume su poesía toda.

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http://www.youtube.com/watch?v=5XCk2RB3gq4

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http://www.youtube.com/watch?v=TEnAhUydx-A

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http://www.youtube.com/watch?v=NpHSWBVOoto

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http://www.youtube.com/watch?v=oDImz20s2fg

Eva Chinchilla lee en La huelga, miércoles 14/12/11

2011-12-13T00:38:00.000-08:00

Eva Chinchilla

"Desconocer"

XII convocatoria de

El ojo en la cerradura

Miércoles 14 de diciembre de 2011, 21hrs. Bar La huelga, c/ Zurita 39.

ciclo mensual de poesía que se propone arrojar luz sobre el microcosmos íntimo y creativo que se esconde detrás del trabajo de la poeta invitadaCoordinado por el colectivo de poesía Lavarca Ebria

Eva Chinchilla ha publicado verbo rea (2003) y participado en antologías como Hilanderas (Amargord, 2006) y Diosloscría(plaquette no venal, 2008). años abisinios es su segundo poemario. Forma parte del consejo editorial de la revista de poesía Nayagua que edita la Fundación Centro de Poesía José Hierro y de Ophelia, revista de teatro y otras artes. Desde 2002 prueba y disfruta –siempre en colaboración con otros artistas y a menudo bajo el sobrenombre de evachin– con el vínculo entre poesía y otras artes. Es integrante de ZCTZ, zírculo inestable de tiza. Combina escritura con algo parecido a la docencia: talleres de poesía, escritura creativa, arte y palabra. Nació en Madrid (1971).

Reseña de El Camino Ullán de Eduardo Milán

2011-12-08T23:50:00.000-08:00

Reproducimos aquí la reseña que ha escrito el poeta Jorge Olivera, autor de Kayac y otros poemas, sobre El camino Ullán seguido de Durante de Eduardo Milán y que ha sido publicada originalmente en la Revista de Cultura Latinoamericana GUARAGUAO #37, otoño 2011.
En este número también se incluyen una nueva traducción de Haroldo de Campos y poemas inéditos de Andrés Fisher, autor de Series, poesía reunida, y un estudio sobre la situación de los poetas latinoamericanos en España por Benito del Pliego, constante colaborador de la colección Transatlántica y autor del recientemente aparecido Índice junto al artista chileno Pedro Núñez.

El lector es un sabueso de la lectura
Jorge Olivera

Dos aspectos en apariencia contradictorios cifran esta lectura crítica del libro El camino Ullán. El primero de ellos y quizás el más conocido es el que sitúa a Eduardo Milán (Rivera, Uruguay, 1952) como poeta dentro de la tradición hispanoamericana; el segundo es la escasa acogida que su obra ha suscitado en el conjunto de la crítica académica. La primera cuestión reviste aristas contradictorias en el sentido de que, pese a la obra escrita, a su contundencia y a su trayectoria, Milán es escasamente conocido fuera del círculo de los lectores de poesía. El segundo punto tiene relación con la escasa atención crítica que existe en relación a su obra y que se relaciona con el primer aspecto. Digo que son en apariencia contradictorios porque pese a que Milán es un poeta conocido es también un desconocido para muchos. Ese desconocimiento quizás radica en una incomprensión básica de la cual parte su poesía: se trata de una poesía de pasajes que buscan su lugar en la lengua.
El camino Ullán es un homenaje y una devoción (al poeta español José Miguel Ullán, fallecido en 2009), un agradecimiento y un reconocimiento, pero es también, una poética posible dentro de la gran variedad de opciones en la poesía contemporánea. El libro sigue la huella de aquellos que, como el autor, buscan esta senda de la poesía contemporánea: un discurso poético que revisa la meta escritura de sí misma y que apela a un cuidado formal. Se trata de una poesía que exige un trabajo sobre la lengua, un seguimiento de cerca de aquellos aspectos que hacen al texto relevante y que le dan una identidad propia. No puede decirse que sea una poesía formal en sentido estricto sino que el cuidado formal (en la lengua, en el fraseo, en los cortes) es la manera adecuada de comunicar. Por tanto, la condición básica de esta poesía parte de un desafío al lector: entrar en ese nivel de lengua que se construye dentro del poema como un mundo propio, autorreferencial por momentos, pero nunca desvinculado de su referente lejano.
Milán escribe desde un lugar que no está y sólo es lengua. El lugar en la poesía de Milán es la lengua, es decir, lo que uno es, o lo que se quedó allá lejos, en la frontera entre Uruguay y Brasil. Este tema aparece en el primer texto del libro: “sauce del bueno”, “intenso cuando llueve sobre el campo/ huele a conocido”, “olor donde ninguna fecha pastorea” (17) dice Milán, y son expresiones propias de aquel lugar. De esta manera la poesía hace anclaje en la identidad que desgrana ese lenguaje como “sauce del bueno” o la expresión, “huele a conocido”. La poesía para Milán es también el olor de la palabra, la que fue, no la que es ahora, porque Milán habla desde ese lugar de la lengua donde se inició todo, allí en un pueblo de la frontera: Rivera-Livramento o el rastro de Tacuarembó.
La lengua permea el discurso poético y entra en el significante primero y después en el significado para conectar con otro lugar, también de la lengua, el que marca el camino Ullán, poético éste: una huella a seguir. Este verso, esta meta escritura, este darse vuelta sobre sí misma, es la voz de Milán: “señales indican que la obra tiende a borrar su origen, afirmarlo/ cuando lo borra/ borra el fondo de la taza” (17). Borrar el origen y afirmarlo: se trata de vivir en esta dicotomía que es parte de la poesía de Milán. Pero también es una forma de conectarlo con el otro origen, el de su línea poética (Mallarmé, Vallejo, Paz) y los otros que como él borran y afirman en el lenguaje: se encuentran en él (Joyce). Esta huella que sigue la obra es la mancha que desde el “origen sigue a la obra por su destino” (17).
La poesía para Milán requiere una lectura asociativa: la verdadera construcción de un paradigma lingüístico, o lo que él sostiene en otro texto: “un poema siempre es un pasaje. Un pasaje donde siempre aparece el cruce de caminos” (Un ensayo sobre poesía, 12). Es este estado de suspensión en el que el poema conecta con el lector donde se encuentra el lugar de la lengua, del poema: “En la jerga actual, la del habla, no la del suelo/ todo se simplifica: no hay obra/ ese punto que se fija, momentáneo, inquieto por el tiempo/ no se pone en movimiento por el tiempo, a través hasta encontrarte a ti” (18). La dificultad se encuentra en cómo entrar en ese lugar del habla, de la lengua, del lugar de la memoria. Entrar en la poesía del poeta uruguayo es una búsqueda de los pasajes (idea ya sugerida por el autor en el ensayo mencionado): se trataría de buscar los conductos de intersección donde se cruzan los caminos para entrar en la suspensión ideal que el poema suscita.
La lengua es origen y es la forma de construir la “querencia”, lo que no se tiene, la orfandad de lo perdido que es sólo memoria. Por otro lado, también el yo es el sabueso que rastrea la huella del otro, en el camino Ullán. Es el perro que rastrea, escribe, decodifica y somos con él, seguimos la huella de la pesquisa tras el perro: “el afecto que en su falta aúlla” (22), “uno de los tantos que hoy aúlla/yo, efecto de coyote” (22). Todo esto conduce al lector a ese lugar que deviene a través de la lengua: “No sacar de la voz sino cavas en la voz, la dejas en oculta/ medianoche a campo abierto, luna sobre esqueleto de vaca” (23).
El camino Ullán es también un agradecimiento y una poderosa herramienta de rememoración, un casi intangible ubi sunt de agradecimiento al poeta español. La huella se expande por la página para que el sabueso/lector sepa, conozca y pueda seguir el rastro: “no se degrada nada en la palabra” (25), “sin fundar una comunidad que necesita leyes, latas, palenque” (25), “alma de seda en cuerpo de arpillera/ lo demás, alpargata” (24), palabras con sema propio que conducen el olfato de la lectura: la consonancia del sonido que llega y se hace consonancia del sentido de la palabra.
Si hasta el momento el poemario es un rastreo de meta escritura, una elíptica de ese cruce de caminos que nos conduce a la lengua de origen, en otro momento la realidad y las noticias llegan al verso: Obama, la peste porcina, la gripe y ahí el texto late en otro ritmo para marcar la pauta y mostrar cómo hablar de ciertas cosas en poesía: porque la última frontera también es el lenguaje para decir lo que no es: una manera de resistencia. Pero esta conciencia del yo, esta distancia lírica con las cosas también está en la meta reflexión: “mientras esté oliendo artístico/ huele a huevo fuera de tiempo” (36). Ahí el poema baja a tierra, fotografía la realidad para trasvasarla a la lengua, a la línea del poema. Esto también es el camino Ullán, la herencia del poeta español. Se trata de una toma de posición política acerca de los asuntos humanos que trasvasan en la poesía. Esta visión queda plasmada en Durante: el poemario que sigue al “camino Ullán”. En este caso la línea del presente es un camino evocador, una constatación del verbo resistir llevado a la plenitud. Es también el ruido de fondo de El camino Ullán. Para el sabueso lector diría que es el paisaje de la memoria que acompaña el otro camino (funciona como un cuaderno de notas poéticas a la creación del otro texto). Los versos funcionan como un coro griego que transfiere otra mirada, otros caminos durante el acto de suspensión que el acto de creación poética conlleva. La pista está en el propio texto, cuando Ullán se mete entre la línea: “una cosa es la excepción de uno entre sus pares –José-Miguel/ otra es la excepción de una especie ante sí misma” (58). Es una forma de volver al presente desde la querencia.
En la poesía de Milán parece quedar en evidencia como en ningún otro caso la figura de una lengua que es muchas y es una, pero es también el devenir de quien está fuera del país (Uruguay) o está fuera del país estando dentro (México). Ubicado fuera, o mirando desde fuera, en el presente sólo la narración de lo real es factible de convertirse en grafía poética: una delimitación que también es un territorio literario. Si Durante es el durante la escritura del camino Ullán, resulta clave entender que esta soledad del poema significa también el no estar solos en la poesía: “nunca estamos solos como creemos/ a pie juntillas, tal vez no, a pocos pasos” (69). Pero escribir y desde esta perspectiva leer esta poesía, requiere de un interlocutor, un sabueso que descifre en el olfato de la letra (el código), lo que la grafía construye con esmero, la interlocución con otros: “[…] nosotros ustedes/ acompañantes, por lo pronto, en tránsito/ siempre del cordón a lo acordado, nada/ allí donde han ido mis amigos, últimos poetas/ en primer lugar José-Miguel, Salvador Puig” (69). No puedo dejar de pensar en la relación también lírica que puede existir en este territorio con la obra del poeta uruguayo Juan Carlos Macedo y sus libros titulados: Durar (I, II y III). También allí hay una querencia, un lugar de la lengua hacia el cual apunta el libro.
Quizás sean estos aspectos señalados, esta aparente oscuridad en la construcción poética, lo que restringe el acceso a una poesía que debe atenderse con más cuidado. Milán propone un lector (al cual hemos denominado sabueso) que debe decodificar estos pasajes de conexión que el texto construye. Se trata de un rastreo necesario para entrar a esta lengua trabada, este fraseo que evoca la memoria y que construye las ausencias como soportes de lo simbólico.

Se estrena composición de Sergio Blardony basada en poemas de José Luis Gómez Toré

2011-12-06T03:03:00.000-08:00

Se estrena en el Auditorio Nacional la composición de Sergio Blardony basada en poemas de José Luis Gómez Toré prublicados en el libro Claroscuro del bosque en colaboración con la artista Marta Azparren.

Festival de Música Contemporánea de Madrid, (CoMa'11)
Trece años de música de vanguardia

13 de diciembre. 19'30 h.

Auditorio Nacional de música, c/ Príncipe de Vergara, 146

Andrés Salado dirigirá a la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid en la fiesta de la música contemporánea madrileña. El concierto se abre con una obra de estreno para recitación, orquesta y electrónica, con textos del poeta José Luis Gómez Toré*, Paul Celan y Martin Heidegger, de Sergio Blardony. Continúa con una composición de Valentín Ruiz y tres estrenos más, de Juan Carlos Cuello, Álvaro Guijarro y una pieza con reminiscencias poéticas de Eduardo Lorenzo.

Páginas web: http://www.esmadrid.com/es/cargarBuscadorAgenda.do?codigoEvento=M26075&codigoLocal=89&tipo=2

http://www.auditorionacional.mcu.es/programacion/programacion_de_salas_search?finicio=2011/12/13&ffin=2011/12/13&month_prog:int=12&year_prog:int=2011

www.auditorionacional.mcu.es

*Texto basado en el libro Claroscuro del bosque de Marta Azparren y José Luis Gómez Toré (Ed. Amargord).

NICANOR PARRA PREMIO CERVANTES 2011

2011-12-01T05:58:00.000-08:00

FELICIDADES

Nueva reseña de Series de Andrés Fisher por María Clemencia Sánchez

2011-11-30T12:11:00.000-08:00

La poeta y ensayista colombiana María Clemencia Sánchez acaba de publicar una excelente reseña de Series de Andrés Fisher donde despliega varios ejes de lectura y lo sitúa en un contexto americano. ¡Gracias!

Se puede descargar en PDF aquí y reproducimos el texto a continuación:

Series es el último libro de Andrés Fisher, que a manera de antología recoge su obra poética en algo más de diez años. Entre su primer libro Ocularmente ávido (1992) y los sucesivos -Composiciones, escenas y estructuras (1997), Hielo (2000) y Relación (2008) -la sugerencia de un mundo rigurosamente construido, de series calculadamente puestas, de secuencias simétricas que buscan anclar la palabra en un puerto seguro, hablan ya de un anhelo de pertenencia o las tentaciones de la tradición. La serie, como su definición lo indica, extiende por semejanza un territorio semántico común. Dentro de una serie, diríamos, un mismo elemento se desplaza variando un tono, una perspectiva, un acento, pero no un fondo. Ese leitmotiv de la obra poética de Fisher rastrea con fervor y meditada contención las voces dispersas de la lengua española, que a él – americano de nacimiento – le viene como lengua materna por una niñez y juventud en Chile y por un azar no develado en su poesía que lo ata afectivamente a España. Ese mundo interior interrumpido de paisajes australes y un presente en su país de nacimiento, fundan un territorio imaginario que limita en sus palabras con la España del Mío Cid, Machado y Gamoneda. Pero también Kerouac y Haroldo de Campos. La inocultable referencia a Castilla, verbi gracia, en la serie de poemas de brevísimo aliento ya es el eco de un Machado rescrito en los poemas de Fisher, como en la serie titulada “Castilla”: “Detrás, las montañas enseñan su perfil de roca./ (…) Arriba, nubes poderosas surcando el cielo de Castilla.” (39)
Si bien la marca de un mundo vasto y universal impregna el tono general de su obra, es ese otro mundo escrito en lenguas distintas a la española, quien viene a replegarse por extensión a ese mundo central de honda raíz en la lengua propia que en su poética le viene desde Alonso de Ercilla hasta Borges, digamos. Es su manera de españolizar el haikú, su manera de pronunciar a Basho o a Kerouac en la lengua de Góngora. Más que reducir este proceso combinatorio al manido argumento de la posmodernidad en la que-todo-cabe, lo que habría que decir en el caso de Andrés Fisher es que su poética intenta ordenar con rigor sus lecturas, sus paisajes internos y sus tentaciones de inscribirse en la tradición de la poesía hispanoamericana, esa que va desde nuestros primeros cronistas y el venerable Cid, pasando por Machado, hasta el agudo Gamoneda y el insoslayable Borges. Clasificar es ordenar el mundo, decía el autor de Fervor de Buenos Aires, y es allí donde veo las series, el orden interno que en medio de un mundo fracturado, Fisher quiere ordenar.

LA NOCHE AMERICANA

i. Un día los vestigios fueron carne. Entre los restos

de hierro y hormigón fluía la energía como un dinamo

de cables centelleantes. (…)

iii. Los restos del futuro aun tienen carne. (23)

lxvi. Leo el sutra del

Diamante: Jack Kerouac es

mi boddhisattva. (103)

En este libro de reposo, en el que una década de poesía intenta poner los pies en los puertos de su tradición, la musicalidad interrumpida – ella también – da cuenta de un tono que se aleja de las rítmicas cantinelas modernistas. Aquí duerme en paz la voz de Darío y sus exactos quioscos de Malaquita. Fisher se ha desprendido de ese vasto tono de precisión métrica para dar lugar a un poema escarpado y asceta por decir lo menos, en el que el rigor de la imagen limpia contiene todo desborde emocional y retórico. Casi epigramas, los poemas de Fisher apenas si levantan el aliento cuando ya la imagen ha cesado, dejando un temblor suspenso, una realidad por hacerse ante el lector.

Cae la tarde:

se endurece la nieve

en el camino. (97)

Series conecta un mundo cercano con uno leído. La lectura que se hace relectura, rescritura de lo leído, el héroe que en el poema vuelve a tener una segunda redención, Homero en la pupila de su rapsoda moderno. La serie por contigüidad da al muro del libro que siempre vuelve a comenzar en el poema. Fisher es un lector que vuelve a sus lecturas para dialogar con lo leído. Ese mundo que casi se toca, ese mundo borgiano del que su poesía no teme dar cuenta.

VARIACIONES SOBRE UN POEMA DE GUADALUPE GRANDE: LA CENIZA O LA IMPOSIBILIDAD DEL OLVIDO

i. No existe el olvido ni es posible expurgar la

Memoria de las palabras de piedra. (75)

El diálogo dentro del poema con otro poema no es precisamente un descubrimiento de Fisher pero si la manera en que lo hace: el nuevo poema - su poema es una serie, una continuidad del poema con el que dialoga. Su mérito está en dar lugar a la serie de poemas al infinito a partir de un único poema, volviendo en su sentido más ontológico a los versos homéricos o al sueño totalizador del Aleph.

VARIACIONES SOBRE UN POEMA DE JUAN CARLOS MESTRE: ELOGIO DE LA PALABRA (PRONUNCIADA ANTE EL VACIO)

Una multitud que no existe contempla a la palabra y

su evolución ante el vacío. (70)

Series de Andrés Fisher es sin duda un libro de enigma que debe leerse y releerse con la consciencia de quien está abriendo una puerta tras la puerta, tras otra puerta. Las fronteras de estos poemas son ellos mismos y las voces que transitan desde la memoria, la lectura, el presente y el desenfado ante un mundo que se ignora entre su sombra.

Reseña de Claroscuro del bosque en Culturamas

2011-10-20T06:45:00.000-07:00

El poeta y crítico Francisco Javier Gómez Martínez ha escrito una excelente reseña de Claroscuro del bosque de Marta Azparren y José Luis Gómez Toré en Culturamas.

Lectura de poesía: Valerie Mejer en Librería Iberoamericana

2011-10-18T09:41:00.000-07:00

Miércoles, 19 de octubre · 19:30

Librería Iberoamericana / Madrid
Huertas, 40

Valerie Mejer en Librería Iberoamericana

Te invitamos a la lectura de la poeta mexicana Valerie Mejer, de visita en España. Recientemente publicó de la ola, el atajo en la colección Transatlántica de poesía y tradujo Libreto para Eros de Forrest Gander.

Después de la lectura conversaremos con ella, acompañados de un vino, aprovechando el espacio cálido de la librería....

Valerie Mejer, poeta, pintora y ensayista, nació en la Ciudad de México. Ha recibido becas de CONCACULTA en tres ocasiones. En 1996, en España, recibió el Premio Internacional de Poesía “Gerardo Diego” por su libro De Elefante a Elefante. Es autora de los libros Geografías de Niebla (Tucán de Virginia, 2008), Esta novela azul (El Tucán de Virginia, 2005) Ante el ojo del Cíclope (Tierra adentro, 2000).Ha traducido a C.D Wright, Yusef Koumanyakaa, a Les Murray entre otros poetas y entre otras las versiones bilingües de Apalaquia, Apalachia por Charles Wright y The Zoo Father, El Padre Zoológico por Pascale Petit, estas últimas publicadas por El Tucán de Virginia. En España aparece su traducción y antología al poeta Forrest Gander Libreto para Eros (Amargord, 2010).En más de una ocasión se ha dicho de su poseía que parece nutrida por la literatura norteamericana así que no parece accidental que viva ahora en Boise, Idaho, sitio donde murió Hemingway.

Valerie Mejer en Bilbao Poesia 2011

2011-10-12T04:52:00.000-07:00

Valerie Mejer lee el día jueves 20 de octubre en Bilbao Poesia 2011.

Más información aquí:

http://www.eitb.com/es/cultura/literatura/detalle/753988/cuatro-premios-nacionales-poesia-se-dan-cita-bilbao/

OUROBOROS. III VELADA POÉTICA POR LA ABOLICIÓN DE LA DEUDA EXTERNA

2011-10-09T13:47:00.000-07:00

Intervendrán: Ana Gorría, Ernesto García López y José Luis Gómez Toré

Miércoles 12 de octubre. 19'00 horas.

Librería La Marabunta. C/ Torrecilla del Leal, 32. (Lavapiés. Madrid)

http://lamarabunta.info/

http://www.quiendebeaquien.org/

Esther Ramón en músicas actuales, Bilbao

2011-10-08T01:11:00.000-07:00

El próximo 25 de ocubre se estrena en Bilbao el espectáculo "La voz encantada", dentro de la XXXI Edición del Festival BBK de Músicas actuales, con los poetas y músicos, Esther Ramón, Pilar Martín Gila, Víctor M. Díez, Ildefonso Rodríguez, Juan Manuel Artero, Sergio Blardony, Andrés Gomis, Chefa Alonso y Sin Red, e interpretación de la actriz Gloria Vega. La puesta en escena corre a cargo de Curtidores de Teatro, bajo la dirección de Rosario Ruiz Rodgers.

Más información aquí y en la revista musical Sulponticello.

Eduardo Milán sobre la poesía

2011-10-06T06:05:00.000-07:00

Milán sobre escribir poesía:

http://www.lajornadajalisco.com.mx/2011/10/06/index.php?section=cultura&article=010n1cul

Claroscuro de bosque en Literaturas.com

2011-10-03T02:54:00.000-07:00

Miguel Ángel Gara, poeta y crítico (esperamos que pronto reponga en circulación su revista Pata de Gallo) ha escrito una elogiosa reseña sobre Claroscuro de bosque de Marta Azparren y José Luis Gómez Toré en Literaturas.com

Claroscuro de bosque ahora es música contemporánea

2011-09-26T00:03:00.000-07:00

El compositor Sergio Blardony participa en COMA, XIII Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid, con una composición para "recitación, orquesta y electrónica" con textos de Paul Celan, Martin Heidegger y José Luis Gómez Toré extraidos de su libro Claroscuro del bosque, en colaboración con la artista Marta Azparren.

Los textos de Gómez Toré surgen de un cruce de fronteras entre poesía y filosofía, del famoso encuentro entre el poeta y el filósofo, que se plasma en un diálogo entre palabra e imagen. Ahora eestos textos realizan un nuevo cruce hacia el arte abstracto de la música contemporánea.

La noticia aquí:

http://www.sulponticello.com/?p=4150

Luis Bagué sobre Claroscuro del Bosque

2011-08-28T09:58:00.001-07:00

El poeta y crítico Luis Bagué escribe una nota sobre Claroscuro del bosque de Marta Azparren y José Luis Gómez Toré en su blog Página en construcción:

http://luisbague.blogspot.com/2011/08/los-encuentros-marta-azparren-y-jose.html

García López sobre ZURITA

2011-08-14T06:54:00.000-07:00

El poeta y crítico Ernesto García López comenta el libro ZURITA en su blog Ritual recientemente editado en Chile y que incluye Cuadernos de guerra editado en Colección Transatlántica, Ediciones amargord

Manuel Rico sobre Raúl Zurita

2011-08-12T03:40:00.000-07:00

Manuel Rico escribe en su blog Al Margen una excelente reseña sobre Cuadernos de guerra de Raúl Zurita.

De la Parra sobre Zurita

2011-08-02T03:58:00.001-07:00

El conocido intelectual chileno Marco Antonio de la Parra, más conocido en España por su trabajo dramatúrgico, escribe sobre la edición chilena de ZURITA, el libro que abarca Cuadernos de guerra junto a otros recientes anticipos de esta obra de más de quinientas páginas de Raúl Zurita.

Más sobre Marco Antonio de la Parra: http://nebrijarte.wordpress.com/artes-escenicas/talleres-marco-antonio-de-la-parra/

Claroscuro del bosque según José Luis Morente

2011-08-01T06:02:00.000-07:00

José Luis Morante escribe una reseña de Claroscuro del bosque de Marta Azparren y José Luis Gómez Toré en su blog "Puentes de Papel":

http://puentesdepapel56.blogspot.com/2011/07/paul-celan-y-martin-heidegger.html

Se publica Zurita en Chile

2011-07-06T04:14:00.000-07:00

Zurita, el último libro de Raúl Zurita se publica en Ediciones Universidad Diego Portales en Chile.

Este libro está compuesto por varios anticipos en forma de libro mientras fue una obra en proceso. En España se puede leer Cuadernos de guerra.

http://www.ediciones.udp.cl/colecciones/poesia/zurita-zurita.html

Imágenes de la presentación de años abisinios de Eva Chinchilla

2011-06-30T01:46:00.000-07:00

Imágenes de la presentación de años abisinios de Eva Chinchilla realizada en la librería Enclave de ibros, c/ Relatores 16, el día jueves 23 de junio de 2011.

Juan Soros dio la bienvenida a nombre de la editorial y agradeció a Enclave de libros el abrir en un día de fiesta.

Julieta Valero, autora del prólogo del libro, realizó la presentación.

Eva Chinchilla presentó a Laura Sisniega, traductora de las canciones yemeníes incluidas en el libro.

Laura Sisniega leyó sus versiones acompañada de música yemení.

Eva Chinchilla comentó el proceso de escritura de su libro y leyó algunos fragmentos.

Imágenes de la presentación de Claroscuro del bosque

2011-06-30T00:54:00.000-07:00

Imágenes de la presentación de Claroscuro del bosque de Marta Azparren y José Luis Gómez Toré realizada en la librería del Centro, c/ Galileo 52, el día miércoles 22 de junio de 2011.

La presentación estuvo a cargo de Ana Gorría.

Los autores, acompañados de Ana Gorría, conversaron con el público.

Durante la presentación se proyectaron imágenes del libro sin el texto que fue leído por ambos autores desde el fondo de la sala.

Lectura de Jorge Olivera

2011-06-27T00:05:00.000-07:00

Este miércoles 29 de junio, a las 21 hrs., Jorge Olivera en Museo Salvaje, ciclo de poesía coordinado por Rodrigo Galarza cada último miércoles de mes en el bar La Huelga (c/ Zurita, 39).

Entrevista en vídeo a Roger Santiváñez

2011-06-22T01:58:00.000-07:00

Alrededor de las orillas del río Cooper, en Filadelfia, entrevista a Roger Santivañez realizada por Juanma Calderón en mayo de 2011. En dos partes:

Primera parte

Segunda parte

Zurita sobre Zurita (donde se recoge Cuadernos de Guerra)

2011-06-22T01:43:00.000-07:00

Raúl Zurita publica en Chile su libro titulado ZURITA. Este es el proyecto del cual Cuadernos de guerra ha sido el primer adelanto y el único material disponible en España mientras no se publique el libro completo, de 700 páginas. En Chile y México se han publicado Los países muertos, Ciudades de agua e In memoriam.

En una entrevista al diario chileno La Tercera el poeta relata los orígenes y claves del libro:

http://diario.latercera.com/2011/06/18/01/contenido/cultura-entretencion/30-73250-9-raul-zurita-lo-que-tenia-que-hacer-ya-lo-hice-estoy-en-blanco.shtml

Reynaldo Jiménez sobre Pulso de Silvia Guerra en Sol Negro

2011-06-17T01:34:00.000-07:00

El blog peruano Sol negro de Paul Guillén, publica el ensayo completo de Reynaldo Jiménez sobre Pulso de Silvia Guerra:

http://sol-negro.blogspot.com/2011/06/pulso-madrid-amargord-2011-de-silvia.html

Claroscuro de bosque en Noticias de DVD

2011-06-16T03:49:00.000-07:00

Agradecemos la amabilidad de DVD ediciones al difundir en el apartado de Noticias y crónicas de su página web la aparición de Claroscuro de bosque de Marta Azparren y José Luis Gómez Toré:

http://dvdediciones.com/noticias_claroscurodelbosque.html

Imágenes de la presentación de Sales de Esther Ramón

2011-06-16T01:17:00.000-07:00

Imágenes de la presentación de Sales de Esther Ramón realizada en la librería del Centro, c/ Galileo 52, el día jueves 9 de junio de 2011.

Claudio Pérez Míguez, director de la librería de Centro, recibe a los asistentes.

Juan Soros, director de la colección Transatlántica / Portbou.

Ernesto García López presentando Sales.

Pilar Fraile presentando Sales.

Esther Ramón leyendo Sales.

Esther Ramón lee la sección Casetas con proyección
de fotografías de Mark Bentley.

Mark Bentley y Esther Ramón conversaron con el público
antes del vino final.

La caja de fotografías de Mark Bentley donde aparecieron

los poemas de Casetas por primera vez.

Ernesto García López sobre Sales de Esther Ramón

2011-06-16T00:50:00.000-07:00

Ernesto García López, quien presentó Sales de Esther Ramón junto a Pilar Fraile, ha tenido la amabilidad de publicar el texto que leyó en su blog: Ritual. Es una lectura cercana y detenida. Gracias!

http://ernestogarcialopez.blogspot.com/2011/06/sales-de-esther-ramon.html

TRES MOVIMIENTOS PARA SALES DE ESTHER RAMÓN

Presentar a Esther Ramón y su Sales implica aceptar la difícil tarea de adentrarnos en lo genésico y vicario, lo por suceder. No la destemplanza de lo incierto (que también), sino la consciencia lúcida de hollar un territorio para el que nuestro lenguaje aún sigue buscando palabras. El poeta canario Miguel Pérez Alvarado nos dice que «La poesía consiste siempre en un nuevo decir. Su combate primero es con la palabra usada, y su destino inmediato es otra palabra que la sustituya. No deberíamos aspirar a decir lo que nos complace, sino lo que nos inquieta. No llenar huecos; entrar en ellos. Aunque todo esto no sea más que una opción personal». Y aquí, precisamente aquí, delante de la siempre difícil “opción personal” es donde Esther Ramón se juega su poética, donde Esther Ramón nos propone su herida. Me gustaría sugerir tres movimientos a modo de lecturas. Ninguno de ellos agota las posibilidades estéticas y/o heurísticas de Sales. Carecen de aliento alguno de totalidad. Muy al contrario, se proyectan como avalanchas que hacen de la observación un nido para el replanteo, vuelta al inicio, como si en cada repaso de lo escrito se configurara una piel inédita. Aquí van.

Primer movimiento o Sales como sistema de complejidad. Un libro de poemas también se comporta como un sistema. Una suerte de microorganismo capaz de dialogar con su entorno y sus carencias. Independiente de la autoría que lo produjo, en interacción con un tiempo y una época que lo acoge. Pero a diferencia de las lógicas causales, binarias, que nos ordenan codificar la realidad (o, mejor dicho, eso que llamamos «realidad») como un hecho externo a nuestra subjetividad, la articulación poemática de estos textos guarda más la forma de un sistema complejo (que no complicado) sometido a su propia criticalidad, al límite mismo de su bifurcación. La lectura de Cicatriz carbón y Casetas (las dos partes constituyentes de esta obra) reflejan una sistémica dominada por la conectividad, la retroalimentación simbólica, la emoción, la autonomía y la fragilidad entre lo fragmentario y lo global. Como si de una lombriz se tratara, la enunciación que habita tras estas palabras (escritura mineral como reclamaba el poeta brasileño Cabral de Melo, señalado en la contraportada a modo de insinuación), se erige en agente epistémico capaz de construir su propio nicho, su propio devenir. Un «gusano de arena invertebrada» que excava y excava hasta producir las regularidades que lo posibilitan. Un decurso auto(eco)organizado que pugna con el tiempo, la materia, la desigualdad de los procesos humanos hasta hacerse densidad, fenómeno, órgano completo en su hacinamiento. Si la escritura de Cabral de Melo es la escritura que permite a la voz generar sus propias condiciones de existencia, entonces Sales, en tanto que raíz ofrecida para su propia auto-constitución, también es escritura mineral.

Segundo movimiento o Sales como paisaje. No existe la naturaleza. Repito. No existe la naturaleza. Lo que existe es el paisaje. No hay relación con el mundo natural de manera de-socializada, a-culturizada. La construcción de lo natural, como entorno, está (como nos reclama la antropóloga Eugenia Ramírez Goicoechea) «inextricablemente unida a la construcción propia de lo social y viceversa». Para los humanos toda naturaleza es una naturaleza semantizada, recreada interiormente como escenario de exterioridad. Paisaje, lo llamamos. Pues bien, Sales, y más en concreto, Casetas (la segunda de las secciones del libro), reconstruye un modo de ejercitar el espacio desde esta concepción sociocultural. La palabra poética se transforma en potencia capaz de redefinir los espacios, atravesándolos en el tiempo y en la forma, hasta volverlos territorios del habla, desórdenes del pensamiento. Como dirá la propia autora: «No dormir ahora / en ese asiento, / sostener todavía / el cansancio / del hacha incesante / con los ojos, / contemplar exhaustos / la cuadrícula azul, / un óvalo, una marca / de luz en la frente / del tejado».

Tercer movimiento o Sales como impugnación de falsos dualismos. Ya saben. Nos hemos criado con ellos. Cuerpo versus Mente. Razón versus Emoción. Reflexión versus Acción. Tesis, antísesis y síntesis. Dualismos y/ tríadas que fijan (esquizofrénicamente) nuestras posibilidades de modular y decir. Un camino histórico dentro del cual muchos de nosotros hemos tenido que acomodar nuestras sensaciones. Menos mal que las humanidades (también las llamadas ciencias duras) vienen insistiendo desde hace tiempo ya en la sinrazón que supone separar esos dominios. El conocimiento implica lo corporal. La razón se interrelaciona con la emoción de manera inseparable, del mismo modo que el sistema límbico interactúa estructuralmente con el neocórtex. No hay conocimiento si no está unido a la praxis, a la propia experiencia. En definitiva: los dualismos en los que hemos crecido son, simple y llanamente, un espejismo. Pero es preciso también reclamar desde el canto su impugnación. Y Sales, desde la intuición panorámica que implica la palabra poética, parece apostar por deconstruir estas categorías obsoletas. El cuerpo, la fisicidad, se esparce por sus poemas del mismo modo que el pensamiento abstracto. La razón y sus sombras se miden junto a las emociones. El puro discurrir, la introspección, se ovilla junto al trabajo y el hundimiento. Sales nos invita a la rebelión. Sales nos empuja hacia lo inexplorado.

Déjenme acabar con un último apunte. En la contraportada se nos dice: Sales de plata, quemadas por el sol. Salir de la mina, al aire. Cruzar el umbral. Salir del cuerpo. Añadiría las palabras de la poeta norteamericana Emily Dickinson (muy querida por la propia Esther Ramón): Hallar descanso en lo inseguro. Pues eso, que ustedes hallen descanso en la inseguridad maravillosa de este libro.

Años Abisinios de Eva Chinchilla en Fundación José Hierro, Getafe

2011-06-07T02:04:00.000-07:00

Jueves 9 de junio

Presentación de

Años abisinios seguido de canciones yemeníes, de Eva Chinchilla

Ciclo Panorama Literario

Auditorio del Centro, 20.00 h

Eva Chinchilla ha publicado verbo rea (2003) y ha participado en antologías como Hilanderas (2006) y Diosloscría (2008). Forma parte del consejo editorial de la revista de poesía Nayagua que edita la Fundación Centro de Poesía José Hierro y de Ophelia, revista de teatro y otras artes. Desde 2002 prueba y disfruta -siempre en colaboración con otros artistas y a menudo bajo el sobrenombre de evachin- con el vínculo entre poesía y otras artes: Solo hay un hombre/que lava su cuerpo (proyecto Fedón, Madrid, 2007-2010), La voz dentro y fuera del Círculo, ZCTZ 1 (Madrid, 2008), Diosloscría (Barcelona y Arnedo, 2008), 2kilitos (Madrid, 2009). Es integrante de ZCTZ, zírculo inestable de tiza, que a través de encuentros y no sólo, trata de hacer investigación poética. Combina escritura con algo parecido a la docencia: talleres de poesía, escritura creativa, arte y palabra. Nació en Madrid (1971).

Años abisinios seguido de canciones yemeníes es su segundo poemario, que ve la luz en la recién inaugurada serie Portbou de la colección Trasatlántica, ediciones Amargord, con prólogo de Julieta Valero.

Para su presentación contaremos con la presencia de los editores y de Laura Sisniega, traductora de las canciones yemeníes, que se define como filóloga árabe de vocación casual; Laura se embarcó en el mundo de la dialectología en 2007 y tras realizar un proyecto de investigación de año y medio en Yemen, regresó de la Arabia Felix para emprender un incierto viaje a través de las Relaciones Internacionales.

José Hierro 7, 28905 Getafe (Madrid) / Tel. 91 696 82 18 / info@cpoesiajosehierro.org
http://www.cpoesiajosehierro.org/

Imágenes de la presentación de Kayac de Jorge Olivera

2011-06-06T09:55:00.000-07:00

El martes 31 de mayo se presentó el nuevo libro de Jorge Olivera Kayac y otros poemas, nº9 de la Colección Transatlántica de Ediciones Amargord, en la librería del Centro.

Marcos Canteli presentó el libro.

Lectura de Jorge Olivera.

Al final de la presentación hubo una conversación con el público.

Claudio Pérez Míguez, director de la librería del Centro y Juan Soros, coordinador de la colección.

Presentación de Sales de Esther Ramón en la librería del Centro

2011-06-05T15:49:00.000-07:00

Presentación del libro

Sales

Esther Ramón

con fotografías de

Mark Bentley

Participan

Pilar Fraile

Ernesto García López

Juan Soros, director de la colección

Esther Ramón, autora

Jueves, 9 de junio, 20 h

Entrada libre y gratuita

Primer volumen de la Serie Portbou de la Colección Transatlántica, Ediciones Amargord

Sales de plata, quemadas por el sol. Salir de la mina, al aire. Cruzar el umbral. Salir del cuerpo. De la muerte. Un texto que profundiza en la condición mineral de la escritura como decía Cabral de Melo. Las sales de plata reaccionan a la luz, forman el negativo. La palabra impresa, negro sobre blanco, como negativo de la experiencia. Concavidad, huella de un vacío. Como la caja Homenaje a Mallarmé de Oteiza, da forma al vacío. Sale. Del interior de la mina, del interior de la caseta, cerrada a cal y canto. Los poemas de Esther Ramón, acompañados por fotografías de Mark Bentley, cuestionan la ausencia y la escritura. Ni son ilustrados por las imágenes ni las describen. Fotografía y poema son dos medios usados con una misma conciencia crítica, como explica la poeta en la nota final: "Se trata de fotografías de un tiempo que no sucedió, que fue creado a posteriori, puesto que Mark ensambla diferentes imágenes para crear un solo individuo o Frankenstein que evidencia y muestra –como el poema– sus cortes y cicatrices para señalar, tal vez, las nuestras. O para brindarnos un espacio intacto, inexplorado y un tiempo paralelo y no medido donde existir. Detrás." Ambos procedimientos dicen el esto ha sido de Barthes. En el afuera los poemas musitan, no se sabe si estos espacios están ocupados. Habitados. Nos dicen: Esto ha sido habitado.

Esther Ramón es doctora en Teoría de la Literatura y Literatura comparada por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha publicado los poemarios Tundra (Igitur, 2002), Reses (Trea, Premio Ojo crítico 2008) y grisú (Trea, 2009). Ha escrito artículos para diversas publicaciones como Cuadernos Hispanoamericanos, Revista de Libros, Archipiélago o El Crítico y varios de sus poemas han sido publicados en diferentes revistas y suplementos culturales como ABC Cultural, La alegría de los naufragios, La hamaca de lona, Salamandra o Anémona. Algunos de sus poemas han quedado recogidos en antologías como Poetas en blanco y negro (Abada, 2006), Poetas a orillas de Machado (Abada, 2010), o Pájaros raíces, en torno a José Ángel Valente (Abada, 2010). Ha sido profesora de poesía española y coordinadora de un taller de poesía en Bates College (Lewiston, Maine, USA), con una beca de la Mellon Foundation. En la actualidad trabaja como coordinadora de redacción de la revista Minerva (Círculo de Bellas Artes de Madrid), coordina el taller Poesía en el límite, en los talleres de escritura creativa Fuentetaja, es profesora de poesía española en el programa en Madrid de la New York University y codirige el programa de poesía de Radio Círculo Definición de savia.

Galileo, 52

28015 Madrid

Metro: Línea 2: Quevedo

Líneas 3, 4 y 6: Argüelles – Moncloa

Línea 7: Islas Filipinas

Autobuses: 1-2-202-3-12-16-21-37-40-44-4661-C1-C2-82-83-G-A-132-133-147-149-160-161-162

TEL: 34-914298363

http://www.centrodeartemoderno.net/http://www.libreriadelcentro.net/

http://www.delcentroeditores.net/

En Facebook: Centro de Arte Moderno - Madrid

En Twitter: CAMMADRID

Lectura de Andrés Fisher en La huelga de Lavapiés

2011-06-05T13:32:00.000-07:00

Andrés Fisher estará este miércoles 8 de junio, a las 21hrs., en La Huelga En Lavapiés, dentro del ciclo intermitente de poesía Movediza. c/Zurita 39.

Nueva obra de Marta Azparren en la Tabacalera

2011-06-05T12:49:00.000-07:00

Odio y amo. Por qué hago esto, podrías preguntarte. Lo ignoro, pero así me siento y me torturo.

Carmen 85 de Cátulo

odi et amo
de Marta Azparren
Principio cruel del amante extremo: construir el cuerpo del sujeto amado a imagen y semejanza de su deseo y de su dolor.

odi et amo de Marta Azparren en la exposición "Fábulas Problemáticas". Más información: http://www.martaazparren.es/newsletters/fabulas-problematicas.html

Catálogo Transatlántica / Portbou 2011

2011-05-28T01:32:00.000-07:00

Ponemos a disposición de libreros, críticos y lectores el catálogo con los 14 poemarios que se han editado hasta el momento.

Se puede solicitar a la editorial a info@edicionesamargord.com o a través de este blog.

Transatlántica / Portbou en la Feria del Libro de Madrid

2011-05-28T01:10:00.000-07:00

La colección va a estar presente, con algunos títulos, en diversas librerías de la Feria del Libro de Madrid. Iremos actualizando la lista.

Caseta 91 - Traficantes de Sueños (con todas las novedades)

Caseta 92 - Librería Muga

Caseta 112 - Librería Juan Rulfo

Caseta 323 - Librería Iberoamericana

Laura Sisniega

2011-05-28T00:34:00.001-07:00

PB4 - Eva Chinchilla - años abisinios seguido de canciones yemeníes

Canciones yemeníes traducidas por Laura Sisniega

Laura Sisniega Crespo (Madrid, 1983) es filóloga Árabe de vocación casual y se embarcó en el mundo de la dialectología en 2007. Tras realizar un proyecto de investigación de año y medio en Yemen, regresó de la Arabia Felix para emprender un incierto viaje a través de las Relaciones Internacionales. Su encuentro con la poesía se produjo en el aula José María Valverde allá por la edad de la adolescencia.

Eva Chinchilla

2011-05-28T00:31:00.001-07:00

PB4 - Eva Chinchilla - años abisinios seguido de canciones yemeníes

Eva Chinchilla ha publicado verbo rea (2003) y participado en antologías como Hilanderas (Amargord, 2006) y Diosloscría (plaquette no venal, 2008). años abisinios es su segundo poemario. Forma parte del consejo editorial de la revista de poesía Nayagua que edita la Fundación Centro de Poesía José Hierro y de Ophelia, revista de teatro y otras artes. Desde 2002 prueba y disfruta –siempre en colaboración con otros artistas y a menudo bajo el sobrenombre de evachin– con el vínculo entre poesía y otras artes. Es integrante de ZCTZ, zírculo inestable de tiza. Combina escritura con algo pa-recido a la docencia: talleres de poesía, escritura creativa, arte y palabra. Nació en Madrid (1971).

José Luis Gómez Toré

2011-05-28T00:25:00.001-07:00

PB3 - Marta Azparren / José Luis Gómez Toré - Claroscuro del bosque

José Luis Gómez Toré, (Madrid, 1973). Ha publicado los libros de poesía Contra los espejos (1999), por el que recibió el Premio Blas de Otero, Se oyen pájaros, libro que incluye asimismo dibujos de Marta Azparren (2003), He heredado la noche (2003; accésit del premio Adonais) y Fragmentos de un cantar de gesta (2007). Como ensayista es autor, además de diversos artículos sobre teatro y poesía contemporánea, de La mirada elegíaca. El espacio y la memoria en la poesía de Francisco Brines (2002), Premio Internacional Gerardo Diego de Investigación Literaria. En 2009 publicó Pedro Salinas, una antología del poeta del 27 precedida de un estudio sobre su vida y obra. Colaboró como dramaturgo en la obra colectiva sobre el exilio republicano Guardo la llave, estrenada en 1999 en el Festival Internacional de Madrid Sur y publicada en el 2005. La compañía El Tinglao ha llevado a escena su obra infantil Lluvia pregunta por el Sol, que apareció en 2004 en la revista Ophelia. Su blog Poesía, intemperie (poesiaintemperie.blogspot.com) es un espacio donde se dan cita reflexiones, poemas y traducciones.

Marta Azparren

2011-05-28T00:23:00.000-07:00

PB3 - Marta Azparren / José Luis Gómez Toré - Claroscuro del bosque

Marta Azparren, (Santa Cruz de Tenerife, 1968). Reparte su actividad artística entre las artes plásticas, el videoarte y el net.art. Su obra ha sido seleccionada y reconocida en exposiciones, festivales y ferias internacionales en Europa y Estados Unidos, de manera colectiva e individual, en sus diferentes facetas. Sus dibujos han acompañado los poemas de José Luis Gómez Toré en Se oyen pájaros y de Eva Chinchilla en Verbo rea, además de diversos artículos y obra gráfica para la revista Ophelia. Colabora habitualmente con compañías de teatro y danza realizando vídeo, performances o instalaciones. Participa en Impromptus, de Fernando Renjifo, dibujando en vivo, estrenado en Madrid en el Festival Escena Contemporánea 2010. velcroart.net, web de creación visual, proyecto conjunto con Raquel Samaniego, ha recibido numerosos reconocimientos entre los que destaca el Premio Net. art en el festival Visual 09. Recibe la Beca de Artes Plásticas 2009 de la Comunidad de Madrid, para el Proyecto Alephs, videoacciones sobre mediación de la obra de arte y ceguera. Fue seleccionado para el stand de Tentaciones de Estampa 2010, Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo de Madrid.

martaazparren.es

Silvia Guerra

2011-05-28T00:09:00.000-07:00

PB2 - Silvia Guerra - Pulso

Silvia Guerra nació en Maldonado, en la costa este del Uruguay. Ha publicado los libros de poesía De la arena nace el agua (Montevideo, 1986); Idea de la aventura (Montevideo, 1990); Replicantes Astrales (Montevideo, 1993. Primer Premio de Poesía de la Intendencia Municipal de Montevideo 1990-1991); La sombra de la azucena (New York, 2000); Nada de nadie (Buenos Aires, 2001); Estampas de un tapiz (New York, 2006). Es coautora de un libro de reportajes, Conversaciones Oblicuas / Diálogos entre la cultura y el poder (Montevideo, 2002) y de los libros de correspondencias: El ojo atravesado I. Correspondencia entre Gabriela Mistral y escritores uruguayos (Chile, 2005) y El ojo atravesado II. Gabriela Mistral entre los uruguayos (Chile, 2007). También publicó Fuera del relato, una biografía aproximada de Lautréamont (Bassarai, España, 2007). En 1989 participó del encuentro colectivo interdisciplinario "Viva la Pepa: 10 poetas, 10 plásticas", en el que intervinieron músicas, plásticas y poetas. Entre 1990 y 1993 formó parte del grupo editorial Ediciones de Uno. Fue una de las organizadoras del Primer Festival Hispano Americano de Poesía en Uruguay (1993) y de la Primera Bienal Metropolitana de Poesía en Uruguay (2006). Actualmente edita, junto a Roberto Echavarren, el sello de poesía “La Flauta Mágica”.

Esther Ramón

2011-05-27T23:42:00.000-07:00

PB1 - Esther Ramón - Sales

Esther Ramón es doctora en Teoría de la Literatura y Literatura comparada por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha publicado los poemarios Tundra (Igitur, 2002), Reses (Trea, Premio Ojo crítico 2008) y grisú (Trea, 2009). Ha escrito artículos para diversas publicaciones como Cuadernos Hispanoamericanos, Revista de Libros, Archipiélago o El Crítico y varios de sus poemas han sido publicados en diferentes revistas y suplementos culturales como ABC Cultural, La alegría de los naufragios, La hamaca de lona, Salamandra o Anémona. Algunos de sus poemas han quedado recogidos en antologías como Poetas en blanco y negro (Abada, 2006), Poetas a orillas de Machado (Abada, 2010), o Pájaros raíces, en torno a José Ángel Valente (Abada, 2010). Ha sido profesora de poesía española y coordinadora de un taller de poesía en Bates College (Lewiston, Maine, USA), con una beca de la Mellon Foundation. En la actualidad trabaja como coordinadora de redacción de la revista Minerva (Círculo de Bellas Artes de Madrid), coordina el taller Poesía en el límite, en los talleres de escritura creativa Fuentetaja, es profesora de poesía española en el programa en Madrid de la New York University y codirige el programa de poesía de Radio Círculo Definición de savia.

José Kozer

2011-05-27T23:40:00.001-07:00

T10 - José Kozer - TOKONOMA

José Kozer (La Habana, Cuba, 1940) es hijo de emigrantes judíos de Polonia y Checoslovaquia. Entre 1960 y 1997 vivió en Nueva York donde fue profesor de español y de literatura en lengua castellana en Queens College. En la actualidad vive en Hallandale, Florida. Su poesía ha sido traducida al inglés, portugués, francés, hebreo, griego, alemán e italiano. Sus poemas, ficción, diarios y ensayos se han publicado en numerosas revistas de América y Europa. Ha traducido, asimismo, dos volúmenes de la obra de Hawthorne, Kokoro de Lafcadio Hearn, poemas de Delmore Schwartz y por vía indirecta (a través del inglés) obras japonesas de Saito Mokichi, Natsume Soseki, Akutagawa y el poeta monje medieval Saigyo. Su obra está representada en numerosas antologías, hay varias tesis doctorales escritas sobre su trabajo y monografías sobre su obra. En 2002 Jacobo Sefamí, edita La voracidad grafómana, artículos, notas, testimonios, reseñas, documentos y bibliografía sobre José Kozer en la UNAM de México. Ha publicado más de cincuenta libros de poesía entre los que destacan: La rueca de los semblantes (León); Bajo este cien (México y Barcelona); La garza sin sombras (Llibres del Mall, Barcelona); Carece de causa (Buenos Aires); Dípticos (Bartleby, Madrid); Farándula (México); No buscan reflejarse (Letras Cubanas, La Habana); Ánima (FCE, México) y dos libros en prosa, Mezcla para dos tiempos y Una huella destartalada, diarios, (Aldus, México). Visor editores de Madrid publicó una amplia antología de su obra titulada Y del esparto la invariabilidad con prólogo de Reynaldo Jiménez, y Monte Ávila Editores de Caracas publicó otra antología suya titulada Trasvasando.

Fotografía: Carlos Blackburn.

Jorge Olivera

2011-05-27T23:30:00.001-07:00

T09 - Jorge Olivera - Kayac y otros poemas

Jorge Olivera (Uruguay) es autor de Poemas del desierto de Mojave (1994), poemario que obtuvo el Premio Gerardo Diego, Labios del Poniente (2000), premio municipal de poesía de Montevideo y Mompracem (2002). Tiene editado un volumen de relatos titulado: La expedición al Dorado y otros cuentos (Montevideo, 1997). Sus textos han sido incluidos en las siguientes publicaciones: Antología de jóvenes poetas uruguayos (Montevideo, 2002), Salida de emergencia (Madrid, 2004), Nada es igual después de la poesía (Montevideo, 2005) y El amplio jardín (Antología de poesía uruguayo-colombiana, 2005). Ha publicado los ensayos: La cultura en el periodismo y el periodismo en la cultura (Montevideo, 2007, coautor) y su trabajo de tesis doctoral: Intrusismos de lo real en la narrativa de Mario Levrero (Madrid, 2009).

Mercedes Roffé

2011-05-27T23:12:00.001-07:00

T08 - Mercedes Roffé - Canto errante seguido de Memorial de agravios

Mercedes Roffé (Buenos Aires, 1954) es poeta, traductora y editora. Desde 1995 está radicada en Nueva York. Su poesía ha sido traducida al inglés, francés, italiano, rumano y alemán. Entre sus obras se destacan: El tapiz (publicado bajo el heterónimo Ferdinand Oziel, Buenos Aires, 1983), Cámara baja (Buenos Aires, 1987), La noche y las palabras (Rosario, 1996), Definiciones mayas (New York, 1999), Canto errante (Buenos Aires, 2002), Memorial de agravios (Córdoba, 2002), La ópera fantasma (Buenos Aires, 2005) y Las linternas flotantes (Buenos Aires, 2009). En el 2000 la editorial Pequeña Venecia de Caracas publica una breve antología de su obra. En el 2004 aparece en traducción al italiano una selección titulada L’algebra oscura (San Marco in Lamis) y, en traducción al francés, el poemario Définitions mayas et autres poèmes (Montreal). En 2005 se publica en España Milenios caen de su vuelo. Poemas 1977-2003 (Santa Cruz de Tenerife). La editorial Shearsman Books, de Inglaterra, publica en 2008 una antología de su obra en traducción al inglés titulada Like the Rains Come. Selected Poems 1979-2006. En 2009, aparece en Quebec su segundo libro en traducción al francés, Rapprochements de la bouche du roi (Montreal, Éditions du Noroît). Desde 1998 dirige el sello Ediciones Pen Press, dedicado a publicar plaquettes y pliegos de poesía contemporánea en lengua española, y de otras lenguas en traducción al español. Entre otras distinciones, en el 2001 obtuvo una Beca de la Fundación John Simon Guggenheim y, en el 2011, una beca del Civitella Ranieri Foundation Center (Umbria, Italia).

Presentación de Kayac en la librería del Centro, martes 31, 20hrs

2011-05-27T07:30:00.000-07:00

Presentación del libro
Kayac y otros poemas
de
Jorge Olivera
Prólogo de Eduardo Milán

Participan
Marcos Canteli, escritor
Juan Soros, director de la colección
Jorge Olivera, autor

Martes, 31 de mayo, 20 h
Entrada libre y gratuita

Kayac y otros poemas, de Jorge Olivera, Editorial Amargord, Colección Transatlántica, Madrid, 2011.

El problema es con el lugar. De ahí que lo imaginario ocupe un papel fundamental en la escritura de Olivera. Un lugar que no hay. Como en un efecto de rebote, elástico, resorteado, lo que no hay pasa al dominio del mito, protector de los no haberes. Olivera escribe desde un no haber. La presencia de su lenguaje es un efecto de memoria, una huella que no se pierde nunca. ¿Qué encarna ese no haber? Lenguaje del no haber, hay: es el lenguaje de la poesía desde la perspectiva del mito dominante de la modernidad: el mito de la ausencia. ¿Dónde está el mundo al que refiere ese lenguaje que debe dar cuenta de la ausencia? Está a caballo entre la imaginación y la realidad. Hombre de dos realidades es el hombre del exilio, una imaginaria. El lenguaje que atañe a esa realidad es el problema, el problema en tanto trabajo problemático, trabajo poético, tarea de adelantar o replegar el límite, la frontera

Eduardo Milán

cada noche muriendo lentamente frente a las pantallas
a los hospitales
a los balazos de una nueve milímetros
en la reunión cotidiana del ágora doméstica
ignorando cualquier alusión al areté herida
de guerreros cotidianos
sandokanes de todos los días
todos ellos
reconquistando mompracem

Jorge Olivera (Uruguay) es autor de Poemas del desierto de Mojave (1994), poemario que obtuvo el Premio Gerardo Diego, Labios del Poniente (2000), premio municipal de poesía de Montevideo y Mompracem (2002). Tiene editado un volumen de relatos titulado: La expedición al Dorado y otros cuentos (Montevideo, 1997). Sus textos han sido incluidos en las siguientes publicaciones: Antología de jóvenes poetas uruguayos (Montevideo, 2002), Salida de emergencia (Madrid, 2004), Nada es igual después de la poesía (Montevideo, 2005) y El amplio jardín (Antología de poesía uruguayo-colombiana, 2005). Ha publicado los ensayos: La cultura en el periodismo y el periodismo en la cultura (Montevideo, 2007, coautor) y su trabajo de tesis doctoral: Intrusismos de lo real en la narrativa de Mario Levrero (Madrid, 2009).
Galileo, 52
28015 Madrid

Metro: Línea 2: Quevedo
Líneas 3, 4 y 6: Argüelles – Moncloa
Línea 7: Islas FilipinasAutobuses: 1-2-202-3-12-16-21-37-40-44-46
61-C1-C2-82-83-G-A-132-133-147-149-160-161-162
TEL: 34-914298363
http://www.centrodeartemoderno.net/
http://www.libreriadelcentro.net/
http://www.delcentroeditores.net/
En Facebook: Centro de Arte Moderno - Madrid
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PB4 - Eva Chinchilla - años abisinios seguido de canciones yemeníes

2011-05-27T07:04:00.000-07:00

años abisinios • Eva Chinchilla
seguido de canciones yemeníes
traducidas por Laura Sisniega
Prólogo de Julieta Valero
ISBN: 978-84-92560-92-9
PB 4 / 10 € / 106 págs.

Siempre condicionados por los otros para nuestro “ser o nada”, por la generosidad y por la ausencia clamorosa de los otros, la voz, las voces en las que se multiplica Eva Chinchilla proponen luminosos descalabrados de nuestros prejuicios vitales y literarios a los que a menudo suceden espacios de cruce, pequeñas zonas sinfónicas, limaduras de vida donde restañar distancias. Es esa misma invitación a la experiencia intercambiable y libertaria entre autor texto la que nos permite tomarnos la licencia para lanzar, con las preceptivas comillas y más poseedores de su palabra que nunca, un piropo sentido y sangrado, que es a la vez sutil propuesta de ágape para usted, respetable lector: “qué hermosa eres, pero qué hermosa y cálida eres / cuando te atreves a la soledad del otro”.

Julieta Valero

PB3 - Marta Azparren / José Luis Gómez Toré - Claroscuro del bosque

2011-05-27T07:03:00.001-07:00

Claroscuro del bosque
Marta Azparren / José Luis Gómez Toré
ISBN: 978-84-92560-98-1
PB 3 / 10 € / 78 págs.

Claroscuro del bosque, como proyecto artístico, ha querido ser un diálogo sobre un diálogo. Diálogo entre la poesía y el dibujo para hablar de un diálogo del que apenas nada sabemos, el que se produjo entre Celan y Heidegger en 1967 en la Selva Negra, en la cabaña propiedad de este último. Un encuentro que corre el riesgo de convertirse en un episodio casi novelesco, pero en el que se abre como un interrogante o una herida la sombra del Holocausto, la memoria de los muertos en el poeta judío, los coqueteos de uno de los grandes del pensamiento alemán con el nazismo.
Hay una ética y una estética del diálogo, como hay en el arte una exigencia de desaprender el propio idioma, de no hablar con una sola voz. Estamos siempre, para decirlo con Heidegger, de camino al habla. De ahí la necesidad de no confundir todos los silencios con claros del bosque. De ahí que sospechemos que el bosque de símbolos por el que paseaba Baudelaire ha sido talado hace ya mucho tiempo. De ahí que Celan escriba: “Dale a tu decir sentido, dale sombra”.
Sombra: claroscuro: filtrada luz.

PB2 - Silvia Guerra - Pulso

2011-05-27T07:00:00.000-07:00

Pulso • Silvia Guerra
Nota liminar de Reynaldo Jiménez
ISBN: 978-84-92560-97-4
PB 2 / 10 € / 76 págs.

Lo que acontece en Pulso no refleja las casillas comportamentales de rigor mortis: mujer-latinoamericana-urbanita-contemporánea. La naturaleza continúa atravesando apariencias y declaraciones definitivas. El poema se presenta abierto a las incontables corrientes del sentido. La resistencia inapelable, la fascinación arrasante, la delicia inmemorial, la fatiga transpersonal, la herida racional, el consenso pánico: todo lo atraviesa Pulso e instala un móvil, un penetrable, una rosa de los vientos.

Reynaldo Jiménez

La poesía de Silvia Guerra se inspira en tramas de imágenes don-de diversos planos de la conciencia muestran que el poema no solo es razonamiento o relato anecdótico. Es, sobre todo, voz. Voz que nombra con ritmo de largo aliento, cuyo alcance meta-fórico da cabida a una realidad de la que sólo da cuenta la buena poesía. El pensamiento traza rutas insólitas que el sueño ha ini-ciado para guiarnos al lugar donde la lengua busca sus límites y construye una rara urdimbre que en nuestro castellano, siempre más seco y severo, choca para hacerse añicos en esa inusitada sonoridad venida del continente latino-americano.

Concha García

PB1 - Esther Ramón - Sales

2011-05-27T06:56:00.001-07:00

Sales • Esther Ramón
con fotografías de Mark Bentley
ISBN: 978-84-92560-96-7
PB 1 / 10 € / 84 págs.

Sales de plata, quemadas por el sol. Salir de la mina, al aire. Cruzar el umbral. Salir del cuerpo. De la muerte. Un texto que profundiza en la condición mineral de la escritura como decía Cabral de Melo. Las sales de plata reaccionan a la luz, forman el negativo. La palabra impresa, negro sobre blanco, como negativo de la experiencia. Concavidad, huella de un vacío. Del interior de la mina, del interior de la caseta, cerrada a cal y canto. Los poemas de Esther Ramón, acompañados por fotografías de Mark Bentley, cuestionan la ausencia y la escritura. Fotografía y poema son dos medios usados con una misma conciencia crítica, como explica la poeta en la nota final: "Se trata de fotografías de un tiempo que no sucedió, que fue creado a posteriori, puesto que Mark ensambla diferentes imágenes para crear un solo individuo o Frankenstein que evidencia y muestra –como el poema– sus cortes y cicatrices para señalar, tal vez, las nuestras. O para brindarnos un espacio intacto, inexplorado y un tiempo paralelo y no medido donde existir. Detrás." Ambos procedimientos dicen el esto ha sido de Barthes. En el afuera los poemas musitan, no se sabe si estos espacios están ocupados. Habitados. Nos dicen: Esto ha sido habitado.

T10 - José Kozer - TOKONOMA

2011-05-27T06:54:00.000-07:00

Tokonoma • José Kozer
ISBN: 978-84-92560-95-0
T 10 / 10 € / 162 págs.

Ironía, continuo montaje y desmontaje. “La entrada al templo no tiene entrada” nos dice el imprescindible José Kozer (La Habana, 1940), el otro que sigue caminando. Para que la iluminación sea posible debe haber vacío. Pero ese vacío se logra mediante la risa. No tomarse demasiado en serio para poner lo vital en juego. Vacío y sombra: satori (o iluminación). Dice Tanizaki: “Tenemos en nuestras salas de estar ese hueco llamado toko no ma que adornamos con un cuadro o con un adorno floral; pero la función esencial de dicho cuadro o de esas flores no es decorativa en sí misma, pues más bien se trata de añadir a la sombra una dimensión en el sentido de la profundidad.” La palabra poética de Kozer es palabra viva, la iluminación es esa experiencia. Lo cotidiano, lo mundano, lo escatológicamente personal (biográfico) junto a los maestros orientales releídos.
Estas son las paredes de papel con las que José Kozer construye su Tokonoma. Da forma al vacío. Pero nos recuerda Tanizaki: “¿dónde reside la clave del misterio? Pues bien, voy a traicionar el secreto: mirándolo bien no es sino la magia de la sombra; expulsad esa sombra producida por todos esos recovecos y el toko no ma enseguida recuperará su realidad trivial de espacio vacío y desnudo.” No se ha traicionado ningún secreto. Los recovecos de la sintaxis constituyen el lugar verbal, trivial, de la belleza donde quizás podemos ver un breve atisbo de eternidad: iluminación.

T9 - Jorge Olivera - Kayac y otros poemas

2011-05-27T06:52:00.000-07:00

Kayac y otros poemas • Jorge Olivera
Prólogo de Eduardo Milán
ISBN: 978-84-92560-94-3T 9 / 10 € / 138 págs.

El problema es con el lugar. De ahí que lo imaginario ocupe un papel fundamental en la escritura de Olivera. Un lugar que no hay. Como en un efecto de rebote, elástico, resorteado, lo que no hay pasa al dominio del mito, protector de los no haberes. Olivera escribe desde un no haber. La presencia de su lenguaje es un efecto de memoria, una huella que no se pierde nunca. ¿Qué encarna ese no haber? Lenguaje del no haber, hay: es el lenguaje de la poesía desde la perspectiva del mito dominante de la modernidad: el mito de la ausencia. ¿Dónde está el mundo al que refiere ese lenguaje que debe dar cuenta de la ausencia? Está a caballo entre la imaginación y la realidad. Hombre de dos realidades es el hombre del exilio, una imaginaria. El lenguaje que atañe a esa realidad es el problema, el problema en tanto trabajo problemático, trabajo poético, tarea de adelantar o replegar el límite, la frontera

Eduardo Milán

T8 - Mercedes Roffé - Canto errante seguido de Memorial de agravios

2011-05-27T06:48:00.000-07:00

Canto errante seguido de Memorial de agravios
Mercedes Roffé
Prólogo de Raúl Zurita
ISBN: 978-84-92560-93-6
T 8 / 10 € / 94 págs.

Poderosa, honda, original, la obra de Mercedes Roffé constituye uno de los más remarcables ejemplos de la lucha que el poema continúa librando por restituirles a las palabras los significados que les fueron despojados. Como toda verdadera poesía, esta escritura ilumina su presente y las circunstancias en las cuales ella surge y, al mismo tiempo, emprende el retorno a ese pasado inmemorial donde las cosas y la voz que nombra las cosas cancelan sus fronteras. Es la apelación a ese acuerdo perdido lo que le da a un poema como Canto errante su desgarradora sacralidad.

Raúl Zurita

Una de las voces indispensables y de mayor proyección en el ámbito de la poesía escrita en lengua española en los últimos años.

Rodolfo Häsler

Mercedes Roffé es una de las voces más representativas de la generación de poetas argentinas que siguió a Alejandra Pizarnik.

Blanca Elena Pantin

La fuerza, seguridad y certeza de la imagen hacen de Canto errante uno de los más hermosos libros que yo haya leído recientemente. Pero si lo incantatorio acompaña a Canto errante, es el dolor, la memoria desgarrante, la que nos visita en Memorial de agravios. No es ya el deseo sino su ausencia, no el rito de los cuerpos sino el taladro del pensamiento, no la danza sino el estatismo de una mirada interna, implacable.

Armando Romero

Zurita sobre memoria, impunidad y perdón

2011-05-27T05:41:00.000-07:00

http://www.theclinic.cl/2011/05/25/inferno/

Para el contexto político de la referencia a "Bocaccio" se puede ver esta nota del periodista y escritor Pablo Basadre:

http://www.theclinic.cl/2011/05/24/el-proyecto-secreto-de-%E2%80%9Cbocaccio%E2%80%9D/

Zurita y Mejer en el The Latin American Arts Festival de Boise

2011-05-04T01:02:00.000-07:00

Raúl zurita y Valerie Mejer han participado en este festibal del 23 al 30 de Abril. Más información aquí:

http://arbiteronline.com/2011/04/21/world-class-latin-artists-stroke-through-campus/

http://news.boisestate.edu/update/2011/04/08/new-festival-celebrates-latin-american-arts-april-25-30/

Carlos Huerga sobre Cuadernos de guerra de Zurita

2011-03-31T03:09:00.000-07:00

El poeta y crítico Carlos Huerga (en la foto aunque no se le vea...) ha escrito una excelente reseña de Cuadernos de guerra de Raúl Zurita en su blog Figuras en la niebla:

http://figurasenlaniebla.blogspot.com/2011/03/cuadernos-de-guerra-de-raul-zurita.html

Premio para Forrest Gander

2011-03-22T16:49:00.000-07:00

El poeta laureado W.S. Merwin elige a Forrest Gander y Robert Bringhurst para el 14º Premio Anual Witter Bynner y una lectura el 21 de abril.

Poet Laureate Chooses Forrest Gander and Robert Bringhurst

For 14th Annual Witter Bynner Award and Reading, April 21

Poet Laureate W.S. Merwin has chosen two seasoned voices in poetry, Forrest Gander and Robert Bringhurst, to receive the 2011 Witter Bynner Fellowships, and will introduce the poets on April 21 at the Library of Congress.

http://www.facebook.com/l.php?u=http%3A%2F%2Fwww.loc.gov%2Fpoetry%2F&h=32430

Esther Ramón en el Festival Internacional de Poesía de Bolivia

2011-03-20T07:05:00.001-07:00

La poetisa española Esther Ramón señala que la poesía boliviana está impregnada de su identidad cultural.

http://www.paginasiete.bo/2011-03-17/Cultura/Destacados/27Cul0011701.aspx

Arturo Carrera y la española Esther Ramón abrieron anoche la primera jornada del II Festival Internacional de Poesía de Bolivia

2011-03-18T03:54:00.001-07:00

http://www.lostiempos.com/diario/actualidad/tragaluz/20110318/poetas-presentan-su-obra-en-el-patino_117441_233304.html

Participan en este Festival los poetas Arturo Carrera, Esther Ramón y Silvia Guerra, entre otros...

Nace la serie Portbou

2011-03-18T02:48:00.000-07:00

Colección Transatlántica - Serie Portbou

Portbou es una ciudad fronteriza. Conocida por ser el lugar donde Walter Benjamin llegó al final de su viaje intelectual y vital ante una frontera cerrada. Fue la ciudad por la que muchos españoles salieron al exilio al final de la Guerra Civil y por donde entraron muchos europeos huyendo del nazismo.

La serie Portbou de la colección Transatlántica, Ediciones Amargord, se funda con la intención de ser una estación internacional abierta, zona de cruce e intercambio. Zona de riesgo. Como el monumento de Dani Karavan a la memoria de Benjamin, conectar espacios opuestos, el encuentro de los Pirineos con el mar Mediteráneo, proponer pasajes no frecuentados de la poesía contemporánea contando con autores noveles, poco conocidos o descentrados de los cánones convencionales. En el monumento está escrita sobre vidrio una cita de Walter Benjamin: "Es tarea más ardua honrar la memoria de los seres anónimos que la de las personas célebres. La construcción histórica está consagrada a la memoria de los que no tienen nombre". Aunque este imperativo no está al alcance de una colección de poesía, la serie Portbou quiere ser un humilde aporte a esa construcción histórica en el campo de la poesía en español dando a conocer poetas menos difundidos y alejados de las lógicas de mercado actuales (del tipo "marginalidad" institucionalizada o estéticas "cómodas") de ambas orillas del Atlántico.
http://www.memorialwalterbenjamin.com/nova/cast/cast_index.html

Juan Soros
Madrid, 23 de febrero de 2011 (I.M. M. A. H.)

Series de Andrés Fisher en Culturamas

2011-03-05T06:16:00.000-08:00

Andrés Fisher (a la derecha) junto a Antonio Gamoneda y Benito del Pliego (autor del prólogo de Series)

Alberto García-teresa, poeta y crítico, escribe sobre Series, poesía reunida de Andrés Fisher en Culturamas:

http://www.culturamas.es/blog/2011/03/03/series-poesia-reunida-de-andres-fisher/

Víctor Gómez sobre Milán

2011-02-17T04:57:00.000-08:00

Víctor Gómez escribe en su blog sobre El camino Ullán seguido de Durante de Eduardo Milán. Se los recomiendo:

http://viktorgomez.blogspot.com/2011/02/eduardo-milan-durante.html

Amaranth en Guaraguo 35

2011-02-07T01:45:00.001-08:00

La prestigiosa revista Guaraguao publica una reseña de Amaranth precedido de Amastris de Roger Santiváñez escrita por la poeta peruana Victoria Guerrero en su número 35:

http://www.revistaguaraguao.org/

También se puede leer aquí:

Amaranth, precedido de Amastris.

Róger Santiváñez.

Madrid: Amargord ediciones, 2010. 85 pp.

La flor de Santiváñez

Si hay alguien que ame la poesía con ternura callejera, ese es Róger Santiváñez.

Róger no solo es un lector impenitente de poesía, sino también la “memoria” de una generación signada por la violencia política en el Perú: los ochenta. Ha transitado por grupos poéticos como Hora Zero, en su segunda fase, y ha fundado uno de los últimos grupos colectivos importantes de poesía en el Perú: Kloaka (1982-1984).

Conozco a Róger desde los tiempos de sus stops-by por una librería que tuve a finales de los años 90 en el centro de Lima. Roy –como le dicen sus amigos- era ya un poeta famoso y trajinaba lo que serían sus últimos recorridos por la Ciudad de los Reyes, pues posteriormente viajaría a los Estados Unidos para hacer un doctorado. Actualmente es profesor universitario y reside en ese país.

La publicación de Dolores Morales de Santiváñez, selección de poesía (1975-2005), es fundamental para entender el proceso de la poesía de Santivañez. Este libro incluye poemarios como Antes de la muerte (1975), su primer libro, pasando por un poemario fundamental El chico que se declaraba con la mirada (1988) y Symbol (1991), su libro más político y en el que se comienza a enfilar hacia una poesía plena de registros musicales, un libro hermético y a la vez explosivo, lleno de referentes ideológicos propios de la década anterior. Es en este último poemario donde podemos rastrear los orígenes neobarrocos del texto que hoy nos ocupa Amaranth. El desarrollo de este tipo de escritura llena de sentidos a través de giros rítmicos y retóricos continuará en textos como Eucaristía (Buenos Aires, 2004), Labranda (Lima, 2006) y Amastris (Santiago de Chile, 2007).

La reciente publicación en España de Amaranth precedido de Amastris (Madrid, 2010) genera una gran expectativa, no solo por la difusión de la obra del poeta, sino porque puede abrir un diálogo más fluido entre nuestros creadores, más allá de las grandes editoriales que nos aislan –gran paradoja del mundo globalizado. Esta edición incluye Amastris, poemario que había sido editado en Chile, pero que se decidió reeditar junto a Amaranth; sin embargo, mi lectura solo se centrará en este último.

El neobarroso (neobarroco), como se le ha denominado a este tipo de poesía –como apuesta poética- es controvertido debido a que muchas veces puede derivar en un mero juego del lenguaje. Su hermetismo y la compleja sintaxis que propone tuvo una apuesta importante en los años 70 y 80, sobre todo en países donde la represión era muy fuerte y los escritores necesitaban encontrar un lenguaje alterno que pudiera “decir” y cuestionar las estructuras del poder. De allí que escritores tan importantes como Néstor Perlongher (1949-1992) en la argentina propusieran el neobarroso como forma estética e ideológica desde su militancia política gay. Por lo que me hago la pregunta de si su sentido hoy por hoy puede desarrollarse al margen de sus contextos. Pregunta que dejo abierta al debate de sus cultores.

La búsqueda poética de Róger Santiváñez ha seguido este mismo derrotero, pero el Roy no se ha dejado fascinar solo por los encabalgamientos, la musicalidad y la sintaxis críptica –que obviamente también existen- sino que ha permitido –desde sus inicios- que sus versos se contaminen con el argot callejero de los barrios en los que vivió: su Piura natal (ciudad al norte del Perú) o en el antiguo y otrora señorial barrio limeño del Rímac –desde hace buen tiempo pauperizado y en franca decadencia-. Róger – de sus caminatas por la selva de cemento- ha recogido, con oído aguzado y atento, los sonidos de la calle y se los ha apropiado para él y para su apuesta poética. Eso es lo que le da personalidad y frescura a su poesía: haber sabido rescatar y reconciliar la alta cultura (su vida académica llena de lecturas universitarias) con el habla callejera de una época y de una juventud –la de los furiosos años 80- que se tomó la calle a pecho.

Amaranth, título del poemario, refiere a una planta originaria de la India, que produce una flor de diferentes colores, dependiendo de su origen. Para los griegos, significa la inmortalidad y, por tanto, Amaranth es el libro de la memoria y de la ternura. El poeta Luis Fernando Chueca ha leído acertadamente las diferentes evocaciones que propone esta flor dentro del texto:

En uno los poemas leemos “Doquiera quiso apropiarse de / La rosa”. E
imaginamos que esa rosa es una de las posibles figuraciones del símbolo
propuesto por la voz Amaranth, como lo son también las memorias de
Piura y, por ejemplo, sus noches que calmaban la ansiedad, o los recuerdos de
Lima que el poeta entona en homenaje a Pablo Guevara, los asomos de jerga limeña
e incluso el Rimac’s lumpen.

El libro empieza con los recuerdos del familia, allá en Piura, la madre, el padre y
las visitas a las casas de los amigos:

Crocantes coronados con chichita
Catacada onde la amiga de mi viejo
Gertrudis ojos rojos cecina & costillar
Mosca-mosca que no olvido
nicaragua
(Infancia)

“Nicaragua”, nombre del país centroamericano, es usada en la jerga limeña con el significado del adverbio “nunca”. Nunca habrá olvido de la chicha (bebida hecha de maíz morado) ni de la comida, pero sobre todo de aquel instante, de aquel “seno” materno piurano, cálido, juguetón. La unión de lo presente y lo pasado se encabalga de alguna manera –como muchos de sus versos- en este texto musical y plástico. No sé por qué pero este libro –como temática- me recuerda mucho a sus primeros textos como aquel de El chico que se declaraba con la mirada, pero debe ser porque los temas constantes de la poesía de Santivánez siempre han sido la casa, la infancia, su natal Piura, los amigos y la poesía que une a todos.

En este recorrido, la ciudad de Lima es descrita en su esplendor marginal y nocturno, sus recuerdos del Rimac´s lumpen (juego sintáctico del inglés en el español) con sus riesgos y sus sombras. La pollada y el pueblo joven (denominada fabella o villa misera, en otros países), sus celebraciones y sus riñas. Las peleas callejeras de los lúmpenes del Rímac son poetizadas así:

Allá por las rimeñas riñas de
Faites flacuchentos frecuentes al
Frescor
de la noche malsana
Catana que un raya te dio
Inolvidable encanto del
amanecer
Celaje del patrullero celador
(Tamales calientes)

Catana es el golpe, el castigo físico infringido en este caso por el “raya” –el poli- que reprime a los faites, maleantes cuya vida escandalosa contrasta con el silencio del amanecer. Esas horas críticas, la madrugada previa a la llegada del amanecer, son recorridas por este flaneur que planea la ciudad y sus márgenes bellos y decadentes; visión de la ciudad de Lima previa a convertirse en la megalópolis que es hoy.

La playa y, sobre todo, el mar, es otro avatar de la flor, del Amaranth. Allí la paz y la tranquilidad del poeta, allí los recuerdos de infancia, pero también la muerte de cuerpos hermosos en el verano piurano, de aquellos amores de la niñez vistos desde lejos y que en algún momento se hunden en azul del mar:

El mar siempre será una diosa
Cuyo seno suavemente se recoge
La playa
más dorada de tu sueño
(Mitylene)

El mar imaginado como cuna y sepultura. La costa peruana es un gran desierto y, en el norte, el desierto de Sechura aparece quemando los pies de los niños que juegan y corren en la playa, que van a esconderse en la isla y entre los peñascos, o que ven el “chapoteo furioso de la marea”.

Frente al azul y el paraíso marino –que también cargan sus muertos- están las catanas peligrosas en las calles y los cerros habitados del centro de Lima. Entre esos espacios, que se muestran radicalmente opuestos, se mueve la poesía de Santiváñez. Allí permanece imperecedera su flor del recuerdo, su flor de amor, su Amaranth.

Hasta aquí nomás. Siempre en poesía –como diría el Roy.

Victoria Guerrero

Sobre "Series. Poesía reunida" de Andrés Fisher

2011-02-02T03:24:00.000-08:00

1 Febrero 11 - Pedro Alberto Cruz Sánchez en La Razón

http://www.larazon.es/noticia/7070-opinion-andres-fisher

Se suele leer poesía casi al mismo ritmo que se la olvida. Es muy difícil acabar un poemario y que haya unas cuantas palabras, algún verso esporádico, que verdaderamente te haya «quemado» y pase a formar parte del bagaje vital de cada uno. Más complicado todavía es que los diferentes textos se alejen de las fórmulas fáciles, del descripcionismo más ramplón y de las construcciones manidas hasta la náusea para singularizarse a través de una serie de matices, de pequeñas operaciones de microcirugía que poseen, sin embargo, la capacidad de transformar al más resistente de los cuerpos. Pero, de vez en cuando, las excepciones a la regla existen. Una evidencia de esto es el volumen firmado por Andrés Fisher que, bajo el título de «Series. Poesía reunida», ha sido editado recientemente por Amargord Ediciones.La poesía de Fisher, articulada mediante una sucesión abrupta, seca, de aforismos poéticos, se revela como una de las delimitaciones estilísticas más interesantes. Su pasmosa economía de medios a la hora de fijar una experiencia dada, la casi cinematográfica utilización de la elipsis, convierten sus composiciones en conseguidos ejercicios de sustracción, en virtud de los cuales el lector llega a ser consciente de que hay renglones, anotaciones, que le han sido arrebatados sin mayor explicación que la voluntad del autor de entregar una escritura reducida a su reglamento básico.Lo paradójico es que estas zonas en sombra contrastan con la obsesiva precisión con la que Fisher recrea cada escena. La recurrencia a las figuras geométricas cuando se trata de describir paisajes, situaciones urbanas o imágenes íntimas convierten su obra en el más sugerente exponente de una ciencia poética exacta, de rigor matemático, que no deja de conmover página tras página.

Antonio Ortega escribe en Babelia sobre Purgatorio de Raúl Zurita

2011-01-09T03:26:00.000-08:00

http://www.elpais.com/articulo/portada/Purgatorio/elpepuculbab/20110108elpbabpor_36/Tes

El libro, reeditado en España por Visor, reune en librerías el primer texto de Zurita con su última publicación, Cuadernos de guerra (Amargord, 2009).

Forrest Gander en Koult!!!

2010-12-26T02:31:00.000-08:00

http://www.koult.es/2010/12/forrest-gander/

Forrest responde al recién inaugurado "Cuestionario Larretxea"!!!

Entrevista, vídeo y especial sobre Zurita en Casa Litterae

2010-12-12T02:21:00.000-08:00

Aquí pueden encontrar una reciente entrevista a Raúl Zurita y un vídeo:

http://www.casalitterae.cl/index.php?option=com_content&view=article&id=85:raul1&catid=43:entrevistas

y aquí un especial dedicado a su obra:

http://www.litterae.cl/

Raúl Zurita sobre el español en hispanoamerica

2010-11-27T04:16:00.000-08:00

En el contesto de una reseña sobre la Feria del Libro de Gaudalajara en El País:
http://www.elpais.com/articulo/portada/Guadalajara/_Mexico/Feria_Internacional_del_Libro_de_Guadalajara/Cervantes/Calle/elpepuculbab/20101127elpbabpor_3/Tes

Imágenes de la lectura de Raúl Zurita en Iberoamericana

2010-10-24T12:36:00.001-07:00

Juan Soros, Andrés Fisher, Niall Binns y Raúl Zurita.

Librería Iberoamericana, Madrid, 19 de octubre de 2010.

Fotografías cedidas amablemente por Steven White.

Reseñas de la lectura de Raúl Zurita en Madrid

2010-10-20T10:58:00.000-07:00

Excelentes reseñas de David Pérez Vega y Pablo Santiago

http://desdelaciudadsincines.blogspot.com/2010/10/encuentro-en-la-libreria-iberoamericana.html

http://odahirvanderlinde.blogspot.com/2010/10/en-los-ecos-de-la-lectura-de-zurita.html

y vídeo de la lectura de uno de sus poemas
http://odahirvanderlinde.blogspot.com/2010/10/raul-zurita-en-madrid-cuadernos-de.html

http://www.youtube.com/watch?v=Q5XBLLbH1HQ

María Salgado ha hecho una reseña de la intensa semana poética pasada, hablando del excelente Zírculo de Tiza, 2010 poetas por km2 y la presentación de la antología de José Viñals:

http://globorapido.blogspot.com/2010/10/mucha-poesia-mdrz-oct-010-cuevas-bocas.html

Copio el texto relativo a Zurita que es genial:

la noche antes (22 oct) leyó Raúl Zurita, el poeta chileno que una vez escribió con un avión sobre el cielo de NY, el que fundó CADA - un colectivo de vanguardia en medio de la dictadura de pinochet. Zurita es mayor y sufre parkinson. Leyó de pie, agarrando sus papeles o al revés, agarrado por sus papeles, tratando de contener y abriendo a la vez su problema motor al escenario. La tensión era increíble, el acento dirigía el aire y la mirada hacia sí mismo (agujero de luz) y de ahí, tras transformación física, hacia afuera (ojo del público). No cayó ni una vez el ritmo de los textos, así que el tiempo quedó suspendido en esa marca - estacas de palabras repetidas una y otra vez - "galpones de concreto" por ejemplo - para señalar un viaje de memoria y paisaje durísimos. J me enseñó después un inédito de Zurita de más de, creo, 600 págs. densas, rotundas, inmensas - en cinemascope. Poesía proliferada más alta que escribir con un avión - una especie de ruego de verborrea de una voz que sigue excavando a siglos de profundidad de donde estamos lxs que la miramos moverse contener el movimiento levantar el dedo índice con esfuerzo y precisión

Lectura Transatlántica en McNally-Jackson, Nueva York

2010-10-18T06:36:00.000-07:00

Viernes 19 de Noviembre, 7pm
Cuatro poetas de la Colección Transatlántica (Madrid)

Valerie Mejer - de la ola, el atajo

Forrest Gander - Libreto para Eros

Andrés Fisher - Series, poesía reunida

Róger Santiváñez - Amaranth, precedido de Amastris

http://www.mcnallyjackson.com/

McNally Jackson Books 52 Prince Street New York NY 10012

Sobre Libreto para Eros de Forrest Gander

2010-10-18T05:57:00.000-07:00

Antonio Lineros recomienda Libreto para Eros de Forrest Gander en una breve reseña en su blog Tierra de Ahulema:
http://tierradeahulema.blogspot.com/2010/10/recomendacion-libreto-para-eros-forrest.html

Entrevista a Valerie Mejer sobre de la ola, el atajo por E. M. Test

2010-10-18T05:21:00.000-07:00

Entrevista a Valerie Mejer de E.M. Test

1. Tu libro abre con un epígrafe de John Ashberry: “Y el iceberg se hundió despacio en el volcán y el mar corrió lejos en la distancia amarillo sobre la arena caliente, verde como los árboles verdes.” ¿Hay algo surrealista en el imagen de Ashberry que se refleja en tu poesia? y ¿hay tal vez algo de irónico en el título “Del nuevo realismo”?, ¿algo de contraste en tu poesía entre el realismo y el surrealismo?

La palabra surrealista, si no pienso en el movimiento me da una impresión de desdibujar los límites de la realidad (aunque el movimiento como tal barcó algo más amplio, con divertidos métodos propios). La naturaleza, que desconoce clasificaciones y movimientos estéticos, se mueve en ocasiones, en sus catástrofes en un espíritu que desdibuja los bordes del mundo “real”. Parece que Ashbery captó este “espíritu” desdibujador y como gran amante de la pintura hizo de esa imagen una cuadro con colores visibles y extraordinarios. Sí parece una ironía que se llama “Del nuevo realismo”. Quién sabe qué cosa divertida diría Ashbery si supiera que osé poner esta imagen de epígrafe (sin duda un atrevimiento de mi parte). Está ahí porque es paralela a la idea del libro: cuando la ola crece y está por reventar se forma un túnel que los abilidosos surfistas cruzan. Ese túnel es un atajo instantaneo, la ola revienta. Todas la formas cambian todo el tiempo. Y lo que vemos en el cielo por la noche es el pasado. Entonces creo que tienes razón, eso que llamamos realidad, no es más que surrealismo puro, sin que las operaciones del sueño estén involucradas.

2. Tus poemas mencionan muchos lugares del mundo – México, China, el mundo árabe, Rusia, etc. – reflejando un geografía global. ¿Cúal es la importancia de geografía y el sentido de lugar en tu poesia?

¿Por qué haré eso? Creo que me fascinaban los mapas y mi abuela materna, Luz Sainz que era copista y una persona de una memoria extraodinaria que se lamentaba de cuántas veces se había tenido que arender el mapa de Europa. Decía “aprender” porque en la educación porfirista conocer un mapa era poder reproducirlo sin verlo. Así que yo la veía intentarlo cada vez que un país se independizaba o era tragado por una superpotencia y tengo uno de sus últimos mapas guardados. Eso en parte. Por otro lado mis poemas están escritos a uno vario s interlocutores reales e imaginarios, y casi siempre están en otra parte (los verdaderos y los falsos). En cuanto a México creo que te refieres al poema sobre La Ciudad de México. Ahí nací y ha cambiado bajo la fuerza del “progreso”, desvaneciendo el paisaje, tragándoselo. Crecer ahí fue ser testigo y parte de una película futurista. Ahora la geografía en si por una falsa etimología me parece la letra de la tierra, como si fuera una escritura en si. Una escritura que cuando se rehace genera éxodos, barcos que llegan los puertos abarrotados de gente sin país. Es un cambio mínimo sobre el papel y es siempre el escenario de una tragedia humana.

3. Tienes un sección que se llama, “Unheimliche”, que empieza con la cita “Tomado de la extrañeza que le causó a S. Freud soñar que su familia hablaba en otro idioma.” ¿Puedes elaborar un poco sobre este sección?

Esta noción la conozco gracias al poeta y traductor italiano Antonio Prete. Una tarde me explicó como Freud había soñado con su familia tal como era, Martha su mujer, Ana y el resto de los yernos y los hijos. Sólo que en lugar de que estuvieran conversando en alemán lo estaban haciendo en japonés. Es el concepto de la extrañeza, la casa que no es la casa. Y para él según recuerdo era uno de los entimientos capitales que forman paret de la melancolía, sobre la que hizo un documental junto con Tonino Güerra. Esa palabra es para mi desde aquella conversación un marco de referencia, en la que quedarán abarcados esos poemas. Con seguridad tendré otros que quedaran ahí, tal vez en otro libro. “La casa que no es la casa” es un asunto inagotable.

4. ¿Tienes la tendencia de escribir tus sueños como si fueran poemas, o tus poemas como si fueran sueños?

Sí a lo primero. El otro día desperté de un sueño donde un amigo poeta había escrito un poema que yo debía traducir. El poema bajaba con la marea y dejaba al descubierto los gusanos de la melancolía. Yo era incapaz de traducirlo entonces empezaba a llover. Cuando me desperté escribí uno de los “Movimientos” que estoy trabajando, como parte de la única poética posible para mí, la de otro poema. Ahora en relación a hacer mis poemas como si fueran sueño, creo que no, son más bien visiones (no de visionario) imágenes cinématicas que pongo en el papel mientras realizan sus descenlaces entre sus palabras.

5. Tienes una sección dedicado a la tragedia de tu hermano: “Dos poemas sobre el salto que dio mi hermano en Edimburgo el 14 de diciembre del 2005.” Puedes hablar un poco sobre la experiencia de recibir el mensaje de su muerte en otra idioma y de otro país.
Creo que ya no tengo más acceso al momento en que recibí la noticia que la que existe en el poema. Claro que el hecho de recibir esa noticia en otra lengua y que la nota suicida esté también en otra lengua le añade una extrañeza más. Pero es como vaciar un vaso de agua en el mar. Que tu hermano se tire por la ventana es ya tan extraño de por si, entinta la vida de un color imborrable y lo de la otra lengua es sólo una tonalidad más. Algo que profundiza el momento. Pero es buena pregunta, me hace pensar en cómo me sentiría yo si la película “Rojo” de Kieslowsky estuviera en inglés. Sería demasiado extraño. Así es demasiado extraño, pero así fue todo desde el comienzo.

6. En tu poema “En la Ciudad de México,” menciones que la cuidad esta en un sitio en la “falda de un volcán.” Malcolm Lowry escribió un libro sobre México que llama, “Bajo el volcán.” Cúal es la importancia de este volcán en la historia Mexicana, en el mundo literario de México? ¿Se relaciona tal vez con el epígrafe de Ashberry?

Supongo que la importancia de ese volcán en el undo literario de México ha de ser tan vasto como un tema de tesis. Para mí era una frontera visible, y un príncipe dormido. Conforme iba creceindo ya no se veía porque la ciudad crecía y se contaminaba y la leyenda del príncipe se desvanecía en mi mente. Ahora cuando voy a México lo busco, pero está enmarcado ahora por la pobreza extrema. Como si esa fuera ahora la orla de su falda. Y no noc reo que tenga que ver con Ashbery aunque tal vez no estoy consciente de cuánto internalicé este volcán.

7. La forma de tus poemas en este colección es variable, tienes poemas en prosa, con versos centrados o versos largos y cortos. ¿Como funciona el verso para ti? Es algo que el poema dicta, como un poesia orgánica, o algo que determines antes de escribir?

Es lo que llamas una forma orgánica, es decir que a un sentimiento le pertenece una forma y la adopta cuando empieza a existir.

8. Tienes un epígrafe de Dylan Thomas, “The ball I threw / while playing in the park / has not yet reached the ground.” Lo pones justo antes de un poema de fútbol. ¿Cual es la relación entre Dylan Thomas y el fútbol? ¿Cuál es el motivo de este poema?

Dylan Thomas y el fútbol creo que no tienen nada que ver. Aunque recién me dio miedo responder esto y descubrir luego que fue también un gran aficionado al fútbol. Es un poema de paralelismos, que reune el movimiento de los átomos, el movimiento íntimo del descubrimiento y el juego del útbol en si. Hay algo misterioso en está “leyes” un electrón suelto, algo que no cierra, una palabra que no llega. La cita de Thomas tenía entonces no sólo uan íntima conexión, sino que llegó antes que él poema, me hizo pensar en hacerlo.

9. Hay muchos referencias personales en tus poemas a gente cercana de ti. ¿Dirías que tu poesia es “confesional,” como lo dicen en poesia americano (una descripcion que W.D. Snodgrass odiaba) o es algo distinto?

Sí, Snodgrass que recién me enteré de que murió le disgustaba esta palabra. Igual no me gustaría quedar abarcada en ella. Nadie le dijo confesional a Van Gogh por pintar a sus seres más cercanos, o por retratarse con la oreja cortada. Lo llamaron “impresionista”.

10. Hay una dominante prescencia de animales en tus poemas -- tigres, caballos, leones, un centauro, un “animal prehistórico”. Y en el último poema, mencionas osos muertos. En su mayoría son animales feroces o carnívoros. ¿Puedes hablar de esto?

Alguna vez pasé unos meses leyendo libros de etología. creo que tuvieron un impacto profundo en mi. Les vi toda clase de paralelos. Sin embargo “los hechos” que describo en algunos poemas tenían la prescencia de un animal. Alguna vez estaba escondida en una azotea y me sobrevoló un buitre. Se volvió una alegoría tangible del momento que vivía. El sapo del poema “El descenlance “ estaba ahí en la realidad. Otros son animales que he soñado. Muchos de ellso los he visto en la televisión, simultáneamente a algo que ocurría que le pertence a un poema. Ahora veo con frecuencia una pintura de Delacroix donde está jesucristo partiendo el pan. Un pan duro por lo visto porque lo parte con ambas manos y hecha la cabeza hacia atrás. En el primer plano del cuadro hay un perro, tú le dirías ¿qué hace ahí un perro? Igual en cantidad de cuadrso de Turner donde no hay forma tamgible sino pura luz, hay un perro negro en la playa. Siempre han estado ahí, los alegóricos animales, echados en el pesebre.

11. Tienes el imagen Japonesa de una ola aparentamente sumergiendo la tierra. Hay una presencia del mar en tus poemas, pero mayormente los poemas estan bien atados a la tierra. ¿Puedes hablar sobre la función del agua en tus poemas?

El nombre del libro de la ola, el atajo se me ocurrió antes que el libro. Y fue esa visión que te cuento del túnel. Pero yo a diferencia de ti nunca he pasado tiempo a mar abierto, el mar ha sido un sitio al que máximo he nadado un kilómetro dentro. He sentido su dominio. Sin embargo sueño con el mar como tal, con el mar en papel, con el mar en un pintura. Alguna vez en un temblor vi al mar hundirse (a la distancia). es todo lo que te puedo decir sobre esto.

12. Tu has traducido varios poetas Ingleses y Americanos. ¿Ha influído tu poesia el proceso de traducir?

Ojalá así halla sido. Como el proceso de traducir te lleva a tener que encontrar la conoctación precisa de una palabra, y a entender el mecanismo de una imagen, me encontré con que era una poesía poco abstracta, ceñida a una lógica regida por la imagen. Pascal Petit por ejemplo ha hecho la vanguardia inglesa a base de alegorizar la tragedia de sus recuerdos, de crear uan etología donde su cruza su salvaje infancia con las leyes del mundo animal. Yo ya escribía estas cosas cuando me encontré traduciendola, pero me dio fé en una clase de visión. La forma en que Charles Wright ha creado lo que él llama Sotonarrativa, donde hay varios mapas trasparente que se enciman y dicho por él una historia que avanza por un túnel y que ocasionalmente retoma la visión de un paisaje exterior. Sí, creo que fueron impresiones fuertes, y debido al proceso de la traducción, huellas profundas.

13. ¿Hay algo en tu poesia que te define como poeta Mexicana, o ves tu obra mas como un poesía hispana? Y en contraste, ¿hay algo de tu poesia que refleje poesia inglés?

Nunca pienso en eso. Los nacionalismos me parecen siempre estrechos y sin embargo las añoranzas por tu tierra de orígen entrañables. Estás ligado a unos sonidos, unas canciones, unos paisajes, pero no sé si al punto de que puedan servir para clasificarte. Cuando pienso en México pienso en la casa de mi abuela que tenía un árbol del hule gigantezco y pienso en ella preocupada de podar esas ramas. Pienso en el centro de la ciudad, en los bueyes flacos que ves por la carretera, en los mezquites inagotables. Pienso en los poetas modernistas que leí de adolescente, en Novo, en las canciones de Agustín Lara. Y vuelvo a pensar en la casa de mi abuela, que ya no existe. El país, es un problema sentimental, y a ese le sumamos un problema de clasificaciones literarias. Creo que o es demasiado tarde o demasiado pronto para que yo hable de esto.

Lectura de poesía: Raúl Zurita en Librería Iberoamericana

2010-10-12T07:07:00.000-07:00

Librería Iberoamericana

7 de 7 :: Revista de escritura y poéticas

Martes 19 de octubre, 19:30 hrs.
c/ Huertas, 40

José Ignacio Padilla y Marcos Canteli invitan a una nueva lectura del ciclo 7de7 :: Iberoamericana que vienen realizando. En esta ocasión, a celebrar la publicación de "Cuadernos de guerra" en la Colección Transatlántica (Amargord, 2009) y la reciente reedición española de "Purgatorio" (Visor, 2010) de Raúl Zurita, con la presencia del poeta....

Presentación a cargo de Niall Binns y Andrés Fisher.

"Cuadernos de guerra" es un texto fundamental en la nueva etapa creativa de Zurita, considerado uno de los poetas latinoamericanos vivos más importantes.Algunas reseñas de este libro, aquí:

http://amargordtransatlantica.blogspot.com/2010/06/resena-de-cuadernos-de-guerra-por.html

http://www.culturamas.es/blog/2010/04/10/cuadernos-de-guerra-de-raul-zurita/

http://amargordtransatlantica.blogspot.com/2010/01/resena-cuadernos-de-guerra-raul-zurita.html

http://franciscocenamor.blogspot.com/2009/12/articulo-de-francisco-cenamor-sobre-el_16.html

Reseña de Amaranth precedido de Amastris de Roger Santiváñez en La opinión de a Coruña

2010-10-05T04:37:00.000-07:00

Ernesto García López publica en Pájaros de papel, blog del periódico La opinión de A Coruña su reseña de Amaranth precedido de Amastris de Roger Santiváñez

http://blogs.laopinioncoruna.es/pajarosdepapel/2010/10/04/roger-santivanez-o-la-poesia-cyborg/

También se puede leer en su blog Ritual: http://ernestogarcialopez.blogspot.com/

Reseña de Potlatch por Ernesto García López

2010-10-01T09:35:00.000-07:00

Excelente reseña de Potlatch de Arturo Carrera por Ernesto García López en Culturamas!

http://www.culturamas.es/blog/2010/09/22/potlatch-de-arturo-carrera/

http://ernestogarcialopez.blogspot.com/

El chileno Raúl Zurita ultima una obra sobre “la actualidad humana”

2010-10-01T09:25:00.000-07:00

El poeta participa en la jornada inaugural del IX Congreso de la Asociación Española de Estudios Literarios Hispanoamericanos, que hasta el viernes se celebra en la UIMP

http://redsocial.uimp20.es/profiles/blogs/el-chileno-raul-zurita-ultima

Fabre sobre Milán

2010-09-16T08:44:00.000-07:00

El poeta mexicano Luis Felipe Fabre escribe sobre El camino Ullán de Eduardo Milán en Culturamas:
http://www.culturamas.es/blog/2010/09/15/el-camino-ullan-de-eduardo-milan/

Lectura de raúl Zurita en Santander el 14 / 09 / 10

2010-09-16T02:32:00.000-07:00

Fotos de Chiara Bolognese.

Raúl Zurita realizó una impresionante lectura de material de su último libro Zurita, del que ya ha publicado adelantos como Ciudades de agua, In memoriam, Los países muertos y Cuadernos de guerra. Luego terminó su lectura con fragmentos del Canto a su amor desaparecido.

El público quedó emocionado y conmocionado por la potencia de su voz y sus poemas.

Sobre la poesía de Eduardo Milán - Disenso 2

2010-09-06T07:07:00.000-07:00

La anfibia nomenclatura del pájaro: sobre Disenso de Eduardo Milán

En el lenguaje de Eduardo Milán hay una búsqueda de aproximación. Las palabras buscan aproximarse a la realidad de las cosas, los sentimientos, el devenir cotidiano de la existencia que no depende del lenguaje para tener una presencia en la mente del poeta. Los poemas buscan aproximar una realidad interior, humana e individual, a la brutal efervescencia de los hechos sociales, políticos, económicos; buscan, también, equiparar ambos mundos, ambas realidades. El lenguaje no da, sin embargo. Eso hay que entenderlo, para un poeta de América Latina el lenguaje no da. En otras latitudes escuchamos a los poetas decir que no hay nada más que el lenguaje, que éste es la presencia última de la persona. Esto sobre todo en algunos poetas Norteamericanos en el linaje Pound/Williams. Pero la relación o, más bien, la proximidad entre el lenguaje y la realidad de un poeta Norteamericano y de uno Latinoamericano son abismalmente distintas. Con ello no quiero decir que así sea, digamos, “objetivamente”, lo que sea que esto quiera decir; sino que la relación personalísima con el lenguaje es así vivida. La riqueza y la pobreza materiales tienen repercusiones directas en el lenguaje. Así la metáfora como vehículo de abundancia de sentido no funciona, indica Milán, precisamente igual en un mundo de pobreza extrema que en una sociedad capitalizada. Para él no hay en la poesía sublimación ni intención transformadora sino un atestiguamiento. El poeta como el testigo sensible de la realidad brutal del mundo. El espacio que media entre la realidad y el lenguaje se vuelve significante, pues es el espacio que habita el lenguaje de la poesía:

ruina
entre la ruina aire
viene un aire de ruinas
sobre la ruina
no pertinencia de pájaro
puesto de patitas en el gajo
sobre el musgo ajeno siempre
a la hondura del paso

Uno de los sentidos del símbolo del pájaro puede ser el de aquello que es capaz de librar la distancia, el espacio entre ambas realidades. Por ello el pájaro corresponde, es pertinente, pertenece a ese espacio; o, si no le pertenece, es anfibio de aire y tierra. Sin embargo, esa doble “pertinencia” del pájaro es aquí puesta para describir otra cosa por negatividad. Milán, lector de los místicos, del pájaro solitario de San Juan, utiliza poéticamente la via negativa. Esta se basa en la exploración interrogativa de los atributos de las cosas del mundo para señalar aquello más allá donde queda la Unidad, siempre más allá del mundo y del lenguaje. En los poemas de Milán no se busca la Unidad, mas tampoco se indica qué es lo que no es la “pertinencia del pájaro”. Es decir, la fórmula que intenta aproximarse a “eso” al decir “esto no es aquello” por más que parezca una simpleza connota una responsabilidad ante el acto de nombrar, particularmente en su acepción bíblica de que lo nombrado pertenece a quien nombra. De la enigmática negación se desdobla una imagen concreta donde el lector puede asir su imaginación tanto sonora como visual. Las “patitas” del pájaro están sobre la rama quebrada de un árbol. Esta reiterada imagen de fragilidad se puede relacionar a la imagen del pájaro como la palabra que puede atravesar el espacio entre el poeta y la realidad. La palabra es frágil, está a merced de los depredadores, entre ellos el hombre moderno, civilizado, urbanizado, industrializado, que indirectamente actúa como el más mortífero de los cazadores. Para él el lenguaje es sólo una mercancía más. Las “patitas” del pájaro también nos dan otra imagen, la huella. El recorrido que realiza el lenguaje crea a la vez una construcción y una huella. Oxímoron de la presencia y de la ausencia. La escritura como el trazo del testimonio ante lo vivido es huella, por lo tanto ausencia pero la escritura también funciona como la cueva de la tribu, por lo tanto presencia:

durante el tránsito se escribe otra huella
no sólo aquella
la de no perder la pared de la comunidad
humedad del pigmento
hueco de la cueva donde no todo es afuera

Esta no es la cueva platónica sino Lascaux, donde una comunidad de hombres pintaron los muros. Disenso en su acepción política indica el derecho a disentir, a expresar una opinión sin temer represalias o marginación. En Disenso hay, creo yo, más que en otros libros de Milán, un llamado a la comunidad. Tal vez esto sea una nostalgia por una comunidad donde la persona sea respetada tanto como miembro de la comunidad y como individuo: “donde no hay comuna, /la voluntad individual no tiene tierra. Donde no hay libertad individual, la comuna/ está falsificada” escribe Robert Duncan en “La multidiversidad, pasajes 21,” de Tensar el arco. Este llamado/nostalgia a la comunidad, a la relación comunitaria entre los hombres tiene a las palabras como punto de encuentro, como la posibilidad de comunicación y entendimiento mutuo:

a izquierda, a derecha
carencia de pueblo

de comunidad
murmullo el círculo de brazas encendidas
caían las palabras sobre el fuego
algunas se acercaban para oír mejor

Conforme habíamos apuntando antes las palabras/pájaro cruzan el espacio, ahora podemos ver que ese espacio se extiende también entre los hombres reunidos alrededor de una fogata. Imagen mítica del encuentro donde se intercambian historias, noticias, poemas, canciones. El círculo de nómadas alrededor del fuego que alimenta, protege, y calienta. El fuego que ilumina en la noche cerrada. La “fila india” es otra imagen en el libro que parece estar cargada de sentido comunitario: no sólo el orden comunitario que protege a los individuos sino la posibilidad de moverse dentro de la noche con la confianza puesta en los de adelante y con la responsabilidad a los que vienen atrás. La caminata (nocturna) queda acentuada en las reiteraciones de pies, zapatos, alpargatas, botas que nos llevan a recordar el cuadro de Van Gogh Un par de zapatos de 1885 y en el cual Heidegger basa sus ideas sobre la revelación del Mundo. Pero en los poemas de Disenso los zapatos sí apuntan a algo más que ellos mismos, apuntan a los hombres que los usan y a las vidas que los llevan, caminando en “fila india”, buscando el fuego de la comunidad.
Hay en este libro un movimiento oscilatorio entre la esperanza y el desaliento. Por un lado, éste último está marcado, entre otras cosas, por la presencia de un narrador. No son muchos los narradores que tengan una presencia activa en el horizonte creativo-reflexivo de Eduardo Milán. Sin embargo, Kafka es una excepción. En Disenso su presencia es clara: “un río subterráneo de esperanza/ no para nosotros.” Este “no para nosotros” viene de una conversación con Brod citada en el ensayo de Walter Benjamin sobre Kafka. Brod pregunta a su amigo si hay esperanza más allá de la manifestación mundo que conocemos, a lo cual Kafka responde sonriendo “Oh, abundante esperanza, una infinita cantidad de esperanza — pero no para nosotros.” Hay en ciertos momentos del libro una derrota, ya no hay más que hacer, pues no se sabe ya qué hay que nos pudiese dar razones para hacer. La dificultad reside en que no hay un holocausto sino que enfrentamos la lenta y constante erosión de lo humano presente en la cotidianidad:

escribir, más que palabras, hormigas
pan para las hormigas
—encadenamientos que recuerdan que no hay más que perder

La imagen de la fila india de las hormigas de ida y venida del hormiguero nos dan las proporciones de los actos humanos. Y sin embargo—ese “y sin embargo” másmedular—parece indicar lo contrario:

¿planes? no hay planes
plantar una planta
arbolar un árbol
alborearlo, cuando la aurora
sin prestigio alguno, abre

Hay que hacer, hay que reiterar la presencia, como en aquél poema donde Milán decía que hay que ser felices porque sí. La escritura poética que sigue intentando cruzar la distancia, ese espacio entre los hombres y el mundo y entre los hombres mismos. Hay esperanza, hay escritura, hay una búsqueda vital. Hay amor donde se encuentran la existencia y la dignidad humana. El lenguaje del amor, que no es lenguaje amoroso, sino amor al lenguaje de la búsqueda que puede ser la búsqueda por aquellos con quienes se comparte la fogata. Y lo que se comparte en el contexto histórico-social al que Milán hace constante referencia es el dolor. Así el testigo del que habla Milán en otros textos no es el observador solamente sino quien tiene la capacidad humana de compartir el dolor, tanto el suyo como el de los otros. Pero dentro de este dolor está también aquella distancia entre las palabras y las cosas que deja una apertura hacia el afuera. Es en ese afuera donde podemos encontrar la esperanza.

Antonio Ochoa

Sobre la poesía de Eduardo Milán - Disenso 1

2010-09-06T07:02:00.000-07:00

Disenso designa una actitud: se habla del disenso? Se actúa el disenso? Es un disenso con respecto al sentido del mundo, el planteo por la vía de los hechos de otra vía de entender el sentido. Tal como está aquí, se ve en forma de sonidos percibidos por un sentimiento intelectual. Es la recuperación de un espacio para que la poesía haga eso. Pocos escriben poesía como Milán: el suyo es un espacio raro. Milán escribe, siempre, sin posar la poesía en el referente sino en el lenguaje. Ése sería un lugar común de la recuperación de la vanguardia, del concretismo, pero que hay que decir porque se vuelve verdad en él. Esa manera de decir las cosas de a saltos, mostrando sólo una capa que se mueve, como una hebra de sentido sostenida, a su vez, en la experiencia de la percepción del mundo ( del mundo tal como está, como es, como podría ser) obliga a pensar en los fundamentos de la poesía. Hay un punto en que la poesía ( todo arte, pero en especial la poesía, porque en ella se transparenta el lenguaje) baila en clave: a la vez para ser mejor que ella misma y para ser una lectura del mundo al instante. Es ahí que los signos adquieren espesor , y desde ese espesor deciden cuándo cortar o cuándo seguir o cuándo insistir en eso que se está leyendo, y que si se deja de escribir se pierde: una conexión con el mundo, pero en clave. Milán ha aprendido ya hace mucho esa clave; tal vez nunca la haya llevado tan lejos como para hacer pensar que no se puede escribir de otra manera que desde esa libertad de seguir, de manera irrenunciable, el hilo que se ha seguido toda la vida, el que la aguanta éticamente. La pureza de Milán está ( como si Disenso fuera un capítulo de la misma historia, lo que en definitiva es) en la ligazón de ética y estética. Es un testimonio de la relación entre lo que dice y lo que “quiere decir”; me atrevo a decir que Milán apunta a una situación de lenguaje en la que esa escisión entre palabras y significado –no el de las palabras, sino aquel al que apuntan las palabras- actúe. Algo que superficialmente se puede llamar locura, pero es la resultante de pensar qué se dice cuando se dice algo. Las palabras, su ritmo, su agrupamiento, confirman el sueño de ser la versión escrita de lo que no puede escribirse ( la forma, el lenguaje mismo, traslada su designación y su capacidad de designar entera, a otra Cosa); eso que no puede escribirse, y eso quiere decir que lo que se dice no quiere decir lo que se dice sino un impulso, un movimiento en torno al sujeto. Y cómo se habla del sujeto diciendo otra cosa? Del mismo modo: haciendo real la escisión entre lenguaje y cosa designada: es algo más, como un ícono dela vida lo que se transparenta ahí, por ese hueco.
Es así que uno lee nombres, referencias, usadas por lo que implican, no “afuera”, sino dentro del discurso; los hechos narrativos, lo mismo. Es una respuesta a la pregunta por qué hacer para que el lenguaje designe, sin dejar de configurar un texto; más bien al revés: el texto, compacto, construido, consciente de sí mismo, hundido en sí mismo, escrito en un lenguaje poético que casi sume en lo no comunicante, en el “puro lenguaje”. Y, paradojalmente, por eso mismo, abre la lectura a un modo de pensar, una postura. El texto es el lugar del disenso ante otros modos de pensar y lo celebra.-

Roberto Apprato

Reseña de Amaranth en la revista peruana Caretas

2010-08-14T04:05:00.001-07:00

Visite el blog de José Donayre Hoefken, Olor a tinta, autor de la reseña:
http://olor-tinta.blogspot.com/2010/08/amaranth-precedido-de-amastris-roger.html

Noticias de Arturo Carrera

2010-08-10T15:26:00.000-07:00

Entrevista a Arturo Carrera, autor de Potlatch:

http://www.elcastellano.org/noticia.php?id=1493

Reseña de Cuadernos de Guerra por Alberto García-Teresa

2010-06-28T01:09:00.000-07:00

Cuadernos de guerra
Raúl Zurita
Ed: Amargord
Precio: 12 €
162 páginas, 2009

Insólito decir de la represión
Alberto García-Teresa*

Existen modos de enunciar la injusticia que necesitan de cierto estímulo irracional para ser asimilados. Este poemario lo pone de manifiesto, pues muestra una voz poderosísima, en la mejor tradición de la poesía chilena, y una inédita manera de decir el horror y los estragos de la represión.
Zurita aúna la grandiosidad del paisaje salvaje chileno con lugares simbólicos del holocausto (Hiroshima, Auschwitz) y con el mito y la historia. Utiliza distintas estructuras paralelísticas en las once series de poemas que forman el volumen donde irrumpe de manera sorpresiva (por la descontextualización) la represión de la dictadura chilena, la masacre de las guerras, el dolor de la memoria olvidada, la rabia ante la impunidad. Lo lírico entonces aparece con resonancias épicas, porque Zurita borra los límites del tiempo y lo amalgama para convertirlo todo en presente. Así se crea una especie de bucle de esencia onírica, marcada por la pesadilla de la potente fusión de elementos disonantes (ya que toda la obra se basa en las anteposiciones: lo mítico y el presente, el amor y la muerte, el horror y el humor -pues encontramos a veces toques de ironía que tratan de esquivar a aquél-) sin concretarse en una imagen determinada. Un poemario desolador, de realidad herida, excepcional e imprescindible.

Reseña publicada en el periódico quincenal Diagonal (www.diagonalperiodico.net ).

* Poeta y crítico español. Colaborador habitual de diversos medios y coordinador del área de poesía de Culturamas (www.culturamas.es ). Su último libro de poesía se titula Oxígeno en lata, Ed. Baile del Sol.

Presentación de Series de Andrés Fisher en Librería Rafael Alberti, Madrid

2010-06-24T00:10:00.000-07:00

c/Tutor, nº 57. 28008 Madrid
tel 91 5443370. e.mail: info@libreriaalberti.com www.libreriaalberti.com

MARTES 29 de JUNIO, 19:00

Encuentros en Alberti

Nos complace invitarte a la presentación del libro y lectura de poemas de

ANDRÉS FISHER
Series, poesía reunida

colección Trasatlántica (Amargord)

presentarán SANDRA SANTANA y BENITO DEL PLIEGO

encuentros en Alberti con...

Andrés Fisher (Washington DC, 1963) estudió medicina en Chile, se doctoró en sociología en España y actualmente es profesor en EE. UU. A muy temprana edad viaja a Chile, donde crece en Viña del Mar. Ha publicado Ocularmente Ávido (1992), Composiciones, Escenas y Estructuras (1997), Hielo (2000, premio Gabriel Celaya), Relación (2008) y Series donde se reunen sus últimos tres poemarios. Ha traducido a Haroldo de Campos al español y a Antonio Gamoneda al inglés (junto a Benito del Pliego).

Vídeo de la lectura Transatlántica de Casa de América

2010-06-17T04:57:00.000-07:00

Aquí se puede ver el registro de la lectura realizada en Casa de América el día 1 de junio de 2010. Presentó Marcos Canteli y leyeron Forrest Gander, Andrés Fisher y Roger Santiváñez:
http://www.laestafetadelviento.es/poetas-en-casa-de-america/trasatlantica

Este es el texto de la presentación:

trenza transatlántica

Lo transatlántico implica el trasvase. De trasvases, intercambios, liquidez, está llena (va llenándose) la colección: los prólogos, los textos de las cubiertas, las traducciones, las citas etc. hablan de un cruce de nombres que van trenzando una comunidad sutil y dispersa, constituida en apoyos sin centro, complicidades.

En el caso de los tres autores que esta tarde comparecen podría notarse, ya de partida, una comunidad geográfica: la costa este de EEUU, en la que los tres viven (de arriba abajo: Gander en Providence, Rhode Island, Santiváñez en New Jersey y Fisher en las montañas de Carolina del Norte). También los tres remiten a cierta idea de diálogo Sur-Norte Norte-Sur a través de la traducción, una traducción que es tanto de espacios (“Vengo por las tardes a escribir a esta orilla del río Cooper” así comienza Amaranth del peruano R. Santiváñez) como de textos (actividad fundante en Forrest Gander y Andrés Fisher). Del mismo modo, habría que señalar, abundando un poco más en lo espacial, que los tres –pero cada uno a su manera—comparten un gusto por la movilidad, por la renuncia a una radicación de sus escrituras. Lo dice mejor una cita de un poema del libro de Forrest Gander que ahora se presenta: “Ellos, como a la espera. Como si dentro de la experiencia destellante de significado hubiera otras experiencias pendientes, innombrables”.

Andrés Fisher escoge un título, Series, que da cuenta certera, ajustadamente de su escritura pero que, a su vez, establece lazos con la de Gander y Santiváñez. Formas inestables de relato que en Fisher pueden leerse como “prosa secuenciada” (en expresión de Benito del Pliego), progresión indagatoria por la que el sujeto (cito a Benito del Pliego) “es capaz de verse ‘como si fuera otro’; es decir, de encontrarse, en aquello en lo que fija su atención”. La serie, sin embargo, en la poesía de Roger Santiváñez parte de lo férreo de la estructura rítmica (molde o caja) para romperse en proliferaciones libérrimas de intensidad que recuperan lo íntimo a la vez que convocan lo inesperado. Ligaduras, entonces, que, en los poemas de Forrest Gander, unen espacios y actitudes.

Afinidad y contraste: hilazón no sólo de hebras sino también de huecos, el aire en el cruce de la trenza. Trenza de tres. Trenza americana, transatlántica. Grieta de lo distinto con que cada uno de estos poetas abre un espacio intransferible. Por ahí, como sugiere la cita de Eduardo Milán (un nuevo trasvase) que encabeza el texto de Roger Santiváñez, vamos “entrando en la espesura de un lenguaje por el hueco”.

Marcos Canteli
Casa de América 31de mayo, 2010

VIVA VAIA - Gira Transatlántica junio 2010

2010-06-06T09:50:00.000-07:00

Citamos este poema concreto de Augusto de Campos para agradecer a todas las personas que hicieron posibles las múltiples lecturas, presentaciones y encuentros realizados entre el 28 de mayo y el 5 de junio de 2010 en Madrid, Barcelona, Valencia y Zaragoza:

¡VIVA VAIA!

En especial a los autores, Andrés Fisher, Forrest Gander y Roger Santiváñez.

Lectura de Andrés Fisher en la Fundación Hierro de Getafe

2010-05-30T01:07:00.000-07:00

El lunes 7 de junio a las 20:00 Andrés Fisher lee en la Fundación José Hierro de Getafe con la ocasión de la publicación de su poesía reunida en Series.

C/ José Hierro, 7
Getafe, Madrid

Lectura Transatlántica - Librería Primado y El Dorado, Valencia - 04/06/10

2010-05-24T23:25:00.000-07:00

Viernes 4 de junio de 2010, 19:30

Presentación de los libros:
Series, poesía reunida, de Andrés Fisher (Chile)
Libreto para Eros de Forrest Gander (Estados Unidos)
Amaranth precedido de Amastris de Roger Santiváñez (Perú)
Publicados en la Colección Transatlántica de Ediciones Amargord.

Los acompañarán Benito del Pliego y Víctor Gómez Ferrer.

Librería Primado
Avda Primado Reig 102
Valencia
http://libreriaprimado.blogspot.com/

Luego, a las 23 hs en El Dorado MAE (calle Alzira, 25) Jam Transatlántica con los cinco poetas y Laura Giordani, Arturo Borra, Pablo Camús, Sebastián Vitola, Aldo Alcota y Gonzalo Lagos.

http://eldoradomae.blogspot.com/

Más información en el blog de Arturo Borra:
http://arturoborra.blogspot.com/2010/05/lecturas-poeticas-en-valencia-coleccion.html

Foto Gander: Joao Rasteiro.

Lectura Transatlántica - Casa de América - Lunes 31 /05/10

2010-05-23T06:16:00.000-07:00

Ciclo La Estafeta del Viento
Lunes 31 de mayo de 2010, 19:30

Andrés Fisher (Chile)
Forrest Gander (Estados Unidos)
Roger Santiváñez (Perú)

Presentan Marcos Canteli y Juan Soros.

El Ciclo La Estafeta del Viento ha invitado a estos poetas a leer en Casa de América con motivo de la reciente publicación de sus libros en la Colección Transatlántica de Ediciones Amargord.
http://www.casamerica.es/casa-de-america-madrid/agenda/literatura/la-estafeta-del-viento2/lectura-de-poemas-transatlantica

Foto Gander: Joao Rasteiro.

Transatlántica en Zaragoza

2010-05-23T06:03:00.000-07:00

El día viernes 28 de mayo, a las 8 de la tarde, se presenta el libro de Roger Santiváñez Amaranth precedido de Amastris en la librería Antígona, Pedro Cerbuna, 25. Estará acompañado por el poeta turolense Juan Antonio Tello y por el poeta chileno Eduardo Fariña.

El día sábado 29 de mayo a las 12:15, Andrés Fisher participa una mesa redonda en torno a poesía chilena en la Carpa de la Feria del Libro de Zaragoza.

http://www.feriadellibrodezaragoza.leggio.info/programa.html

T7 - Arturo Carrera - Potlatch

2010-05-23T05:05:00.000-07:00

Potlatch / Arturo Carrera

Prefacio de Edgardo Dobry

Ediciones Amargord, Madrid, 2010

ISBN 978-84-92560-35-6

TÍTERE DE LA MONEDA

Pringles, 4 de enero de 2004.
Viene un chico a la puerta y grita desde afuera:
“Señor, ¿tiene una monedita?”
Abro la mirilla grande de la puerta negra,
le digo entre los relieves oscuros: “¡Sí; ya
vuelvo!” Y voy hasta la caja donde guardo
los títeres de guante; me calzo uno y
lo llevo hasta la mirilla, ahora Boca del Teatrino:

“–¿Síiiiiiiiiiiii? –y el chiquito se ríe.

Y el títere de la moneda le da la moneda.
¡Por suerte no soy yo!
El títere de la moneda le da la bienvenida a mi puerta.
¡Por suerte no soy yo!
El títere le dice que todos los remordimientos
son esa monedita trucha que le da.
Que todo el dinero del mundo
es su mentira que le entrega.
Que toda la falsedad de la Tierra cabe
en nuestro dolor, en la mísera alegría
de ese instante sin rencor: “¡Gracias, Señor,
hasta mañana!”

Potlatch: Un lujo imprescindible, al mismo tiempo sutil y voluptuoso. Pero no como contenido ilustrado en la escritura sino como movimiento en que el poema alcanza su posición única, en la fijeza de su siempre estimulante problematización artística. El oído de Carrera busca entre los murmullos el verdadero hilo por donde remonta la espiral de su voz; dijo Valèry: “no hay que ser clásico; hay que convertirse en clásico”. Sólo se perdura en el riesgo de lo nuevo: es la dirección en que Potlatch se inscribe.

Edgardo Dobry

En la escritura de Carrera luchan el carácter personal del sentimiento con la tendencia socializadora del lenguaje, luchan 'de la boca para afuera, sobre los labios como minúsculas espadas'. Y esta batalla es la seña más singular de este poeta originalísimo que, con ella, devuelve el poema a su valor de gestión íntima y distinta sin duda a todas las otras y que hace de esa tarea diferenciadora el sentido último del hecho poético.

Esperanza López Parada

Potlatch no solamente es un poemario sino también una novela o un ensayo sobre el dinero. Habría que tomarse el trabajo de subrayar en qué páginas hay una elaborada y aguda teoría sobre el dinero y cómo afecta a las comunicaciones interpersonales. Para viejitos como yo, además, es conmovedor porque nos remueve el recuerdo de nuestras infancias, en las que vivimos esa especie de época dorada del ahorro y el chanchito.

Rodolfo Fogwill

Una poesía de preguntas y respuestas, pero unas y otras en distintas orillas del torrente de la experiencia, nunca enfrentadas, con puentes caprichosos que sólo sirven para la pesca, o las zambullidas, no para pasar de un lado al otro. Las preguntas en la poesía de Carrera nunca se responden con un “sí” o un “no” porque esos trajinados monosílabos quedan debajo del impávido avance de la felicidad.

César Aira

T6 - Forrest Gander - Libreto para Eros

2010-05-23T04:59:00.000-07:00

Libreto para Eros / Forrest Gander

Edición bilingüe

Traducción y prólogo de Valerie Mejer

Ediciones Amargord, Madrid, 2010

ISBN 978-84-92560-34-9

Para C

Dentro, dentro del regreso, dentro, el héroe se disminuye.
Ellos colocan un velo en la nave de ella y cuando es alzado
el nombre de la nave se ha perdido. Considera la
oscuridad del agua que no tiene olor y que tampoco puede tragar.
Aún así la proa se extiende sobre el proscenio como un caballo
en una valla y la orquesta se levanta y sale en fila.
En el largo camino a casa, añoro ver tu rostro.

www.forrestgander.com

Forrest Gander es un poeta sureño relativamente raro, un escritor incansablemente experimental. Estén preparados para dejarse llevar. La poesía de Gander es una extraña mezcla de acre detalle físico, trozos de geología y evolucionismo, imágenes curiosamente eróticas, y fragmentos de descripción casi surrealistamente exactos: es un poeta moviéndose a través de las palabras, a través del tiempo, de una forma que es tan precisa como alucinatoria.

Robert Hass

Uno de los más originales y fascinantes libros de poesía que he visto en mucho tiempo. A medida que su extraño formato de bitácora de viaje se revela, comienza a parecer la realización del presentimiento de Gander de que ‘el lenguaje que se te escapa en un país te persigue en otro’.

John Ashbery

Forrest Gander es excepcional en la sutileza de su percepción y propuestas, un gran ‘lector’ de otras culturas y un poeta de múltiples recursos.

Robert Creeley

Potente, alucinante, demoledoramente profundo, Forrest Gander se cuenta entre los poetas más extraordinarios de la poesía norteamericana y de la poesía de nuestro tiempo. De una intensidad lírica única, esta obra es un devastado y doloroso viaje en el cual se van iluminando las conexiones que hilvanan los escenarios a menudo arrasados de nuestra vida, con una extraña forma de eternidad donde el temblor de un cosmos implacable y omnipresente pareciera estar escrutándonos detrás de las ventanas. Magistralmente traducidos por otra poeta relevante, la mexicana Valerie Mejer, Libreto para Eros, nos hace ver que una de las condiciones más desoladoras de lo que somos, ahora, en este comienzo de milenio, no es la incapacidad de amar sino la incapacidad de decirlo. No morimos de amor sino de silencio, y los desesperados y frágiles seres que comparecen en los poemas de Forrest Gander nos están mostrando la humanidad entera.

Raúl Zurita

Tal como sucede en los mejores dibujos, la composición depende más de cómo se usa el espacio en blanco. Gander ha escuchado este vacío y lo ha dejado para que sea ahí donde su poesía resuene en el lector, para que sea en él donde la vida se fugue mientras es representada y donde con esa inevitable melancolía se monte su vibrante antiespectáculo.

Valerie Mejer

T5 - Roger Santiváñez - Amaranth precedido de Amastris

2010-05-23T04:57:00.001-07:00

Amaranth precedido de Amastris / Roger Santiváñez

Prólogo de Andrés Fisher

Ediciones Amargord, Madrid, 2010

ISBN 978-84-92560-33-2

AMARANTH NYZ

Viaje mar incomprendido ade
Mán de la garza salpicada por
Doquiera quiso apropiarse de

xxxxxxxxxLa rosa

En la lejana espalda de su amor
Remoto reino equiparado a un
Corazón vuelve mar con brisa
Salerosa transparenta fluído mag
Nético noble dominio callado en
El desierto sechurano expresa
Nítido fantasma no hay ninguna
Sobradera o ladrido ‘e perro-lobo
En la distancia sólo tu fragancia
Sutil salina me repone el ama
Dor callejero extraviado en lan
Das cinerarias o dormita el ere
Mita coronado su placer de

xxxxxxxxInsana flor

Leyendo una lengua poética extraña y familiar: “la calor”, “onde”, decían aquí las abuelas, y “pajarines”, que es allá palabra de padre. Así se responden las palabras, palabras rizan ondas musicales. Diminutivos y maldiciones (y la Realidad con mayúsculas). Así: dar nombre es invocar con furia y alegría, iguales, hacia delante. Y el puro ahí: leo el signo “&” (sello y clave), me niego a leer “y”, oigo más palabras que no sé decir: “Nadie toca la canción sólo yo & la memoria”. Así dice su canción un Conde Arnaldos, hermético y melancólico, desde su torre abolida.
Entonces, ¿es posible “la nieve ardida”? Sí, en una “Jerga líquida espumosa huyendo instantánea”, y también el “Vivo silencio sumido vuelo ardido”. Agua y fuego en la lengua del poeta gramático y chamán: “Todavía cardenales & petirrojos vario / Pintos acuden al llamado de la llama / inalcanzable en su calmada cumbre”.
Telegrafía del canto, sus pulsos. Y en lo hondo, los saberes: “Hay una flor melancólica cuyo nombre / ignoramos…” .
Con el diccionario a mano, cassete incluida: grabo la música del sicuri, del quien tañe un sicu para llamar a las ninfas, “calatitas”, “acholadas” (¿son posibles aún las ninfas?). En el remanso de un enclítico la clave de lo oído, la telegrafía interrupta -palabras liberadas a su vuelo- no pone esclusa en lo fluyente. En las riberas del Cooper, del Piura, del Porma mío (de ribera a ribera más ninfas coleantes), por encima y por debajo del mar, qué músicas de valsecito en roqueros, qué bailes enredados, jugosos y libres. Y la electricidad ácida de Hendrix.
(Declaración sobrevenida: Quiero a los ingrávidos poetas del Perú: Vallejo, Westphalen, Eielson, Oquendo… ).
Al leer a Roger Santiváñez, qué extraño, oigo lo más próximo y querido de mi generación, él allá, nosotros aquí. Reconozco y agradezco.
(Con ganas de cantar a dos voces: qué soledades qué gorgorín trinando piando ahí qué lezamín le responde anidando en la bárbara barbuda maleza ezra pound).

Ildefonso Rodríguez

La poesía de Roger Santiváñez se despliega entonces, en estos dos libros, en todo el esplendor de su hibridez. En la potencia (im)pura que la lleva a inquietar el lenguaje en una dirección muy elaborada y particular. Que se apresta a iniciar su diálogo con quienes en España parecen sus interlocutores naturales; aquellos poetas instalados en los discursos críticos que en vez del aquietamiento del lenguaje que ha pretendido ser canónico, comparten con Santiváñez el interés por su agitación. Bacán.

Andrés Fisher

T4 - Andrés Fisher - Series, poesía reunida

2010-05-23T04:47:00.001-07:00

Series, poesía reunida / Andrés Fisher

Prólogo de Benito del Pliego

Ediciones Amargord, Madrid, 2010

ISBN 978-84-92560-32-5

VARIACIONES Y ANOTACIONES SOBRE LA ARAUCANA, DE ALONSO DE ERCILLA

i.
Treinta años sustentando su opinión, señor, sin caérseles jamás las armas de las manos.

ii.
No defendiendo grandes ciudades ni riquezas, si no antes quemando sus casas y hacienda para que no disfrute de ellas el enemigo.

iii.
Así los araucanos, señor, permaneciendo firmes en su propósito y entereza, riegan con su sangre y con la nuestra los ásperos terrones de sus campos pedregosos.

Con este libro, Andrés Fisher se erige como uno de los poetas más remarcables, únicos y definitivos de un tiempo violento y oscuro, el nuestro, que se jacta de haber expulsado por segunda vez a los poetas. La escritura que aquí se despliega, los paisajes que revela, la singularísima trama de sus afectividades, su apasionada exactitud, nos muestra que esa expulsión ha fracasado.

Raúl Zurita

Un libro mayor, un texto de máxima resonancia poética, una vuelta de tuerca asombrosamente inteligente al desafío de la modernidad. Todo está en su sitio, aclimatado a sus propias leyes discursivas, en relación armónica con la exactitud dialéctica de la conciencia que multiplica la dualidad y su correspondencia dinamizadora con las imaginaciones del porvenir. Una asamblea impura de voces, transmigraciones, relecturas que iluminan las zonas ocultas generadoras del discurso, y con las que Andrés Fisher articula su profundidad de búsqueda, estableciendo una autonomía crítica y activa, frente a la prohibición retórica del pensamiento en referencia.

Juan Carlos Mestre

Esta escritura refunda los espacios conocidos. El poema obra desde la intención de un ver propio y consigue trasmitir lo que por condicionamientos culturales e históricos otros lenguajes ya no consiguen. Su escritura tiene la capacidad de descubrirnos “Esa otra cosa de naturaleza extraña que aparece al mismo tiempo que las cosas familiares”. Así lo dice René Magritte. Freud lo llamaría unheimlich. El poeta se refiere a ello con las palabras misterio o maravilla. Una maravilla que nos enfrenta a un viaje para el que no hace falta ir lejos. Basta con persistir. Quince años no son nada.

Benito del Pliego

Sobre Potlatch

2010-05-23T04:36:00.000-07:00

Hemos seleccionado algunas notas críticas de la primera edición, en Argentina, de Potlatch de Arturo Carrera.

La plata también puede ser un objeto poético

- Rodolfo Fogwill, escritor y poeta: “Potlatch no solamente es un poemario sino también una novela o un ensayo sobre el dinero. Habría que tomarse el trabajo de subrayar en qué páginas hay una elaborada y aguda teoría sobre el dinero y cómo afecta a las comunicaciones interpersonales. Para viejitos como yo, además, es conmovedor porque nos remueve el recuerdo de nuestras infancias, en las que vivimos esa especie de época dorada del ahorro y el chanchito. Es un gran libro, que forma una novela con El vespertillo de las parcas, que tiene mucho que ver con Arturo Carrera, el poeta de, lo que para mí es su mejor libro de versos, Animaciones suspendidas, que pocos recuerdan. Es curioso que al público le causara gracia escuchar la palabra sorete, cuando Carrera estaba contando la tragedia inexorable de una familia”.

- Graciela Speranza, escritora, crítica y docente universitaria: “Potlatch es un inspirado derroche de recuerdos de infancia. Que en la Argentina de hoy, su Magdalena de Marcel Proust sea el dinero habla de la sutileza de la poesía de Arturo Carrera. Junto con El tilo de César Aira, un libro ‘hermano’ en más de un sentido, recupera a su modo la libertad y la gracia que Manuel Puig trajo a la literatura argentina”.

- Fernanda Laguna, poeta: “Leo los poemas de Arturo Carrera con música de fondo de Los Mirlos del Perú: ‘Bailar de lejos no es bailar’. Leo por momentos sin entender lo que significan las letras que pasan delante de mis ojos, pero me conecto con un ambiente de patio familiar y escucho las preguntas de un niño que se cuestiona cosas grandes”.

- Anahí Mallol, poeta y traductora: “Arturo tiene una poética muy particular. En Potlatch queda claro que lo relacionado con la vida íntima es llevado por el poeta al plano de lo político, para demostrar cómo las relaciones familiares están tramadas con la historia política y económica del país. En estos poemas, las anécdotas circulan como circulan los billetes y las monedas: así como existen copias y falsificaciones de monedas truchas que usamos cotidianamente, también las anécdotas forman una multiplicidad de voces, pero ninguna es la Verdad. La subjetividad de ese niño, tironeado por su abuela peronista y antiperonista en una de las poesías más autobiográficas, Casa Nervi, se forma con el eco de esas voces. Como sucede con el dinero, no hay un sentido único ni valedero para todo”.

* * *

Poesía y vida
El día de un poeta

Arturo Carrera ha publicado dos nuevos libros, Carpe Diem y Potlatch (anticipado hace pocas semanas por Radarlibros). Separadamente, cada uno de ellos enriquece la literatura argentina contemporánea. Considerados en conjunto, constituyen un acontecimiento.

por Ariel Schettini - Radar libros (Página/12)

Es notable cómo Arturo Carrera pasa de un libro al otro dándonos la oportunidad de mirar en la vida de un poeta como si ésta fuera un diagrama de flujo. En sus primeras obras (Escrito con un nictógrafo, La partera canta) era un poeta del espacio, del cosmos, y del poema como tela de un pintor que podía “hacer ver” la poesía sobre la página. Ahora es más bien un narrador, un novelista del tiempo mínimo. Entre el pintor y el novelista, Carrera fue astrónomo, meteorólogo en La banda oscura de Alejandro, entomólogo en el descubrimiento de la “poesía de los grillos” y maestro de kindergarten en Children’s Corner. Algunos rasgos de su obra, de todos modos, persisten.
La obsesión por la dinámica familiar y sus intercambios genéticos, afectuosos y económicos es una de las constantes desde Arturo y yo. La necesidad de nombrar a la poesía como el lugar de conocimiento y comprensión del mundo por excelencia es otro de los distintivos que aparece de modo insistente. Pero es sobre todo un ritmo que está entre la tersura ideal del verso clásico, la palabra inesperadamente coloquial, y el modo persistentemente vanguardista de su escritura lo que lo vuelve inconfundible, absolutamente personal y cada vez más importante y necesario. No es casual que su obra sea la referencia de casi todos los poetas jóvenes y que adquiera, sobre ellos, el peso de una “influencia”.
En este último tiempo salieron dos libros de Arturo Carrera: Carpe Diem (El Fulgor/Poesía), publicado en México y Potlatch, en Argentina. Carpe Diem es una colección de poemas -.todos titulados “Carpe Diem”– que recrean el significado verdadero de la figura poética: narrar el transcurso de un día vivido como una experiencia estética. De allí que sea posible que la experiencia de ver un cuadro de Corot pueda ser asimilada a la de ver un arco iris. El Carpe Diem obliga a vivir el día en cada uno de sus detalles porque la vida no es sucesión sino construcción infinitesimal de cada instante. Decir que se trata de un libro de detalles sería asignarle un mundo (una obra general) a la vida, que los textos de Carrera nunca afirman ni niegan. En el posfacio, escrito por César Aira, se lee: “Las preguntas en la poesía de Carrera nunca se responden con un ‘sí’ o con un ‘no’. Es como si hubiera descubierto que la afirmación y la negación no hacen más que complicar las cosas”.
Potlatch vuelve sobre un tema recurrente de la obra de Carrera: la infancia, los niños que nunca aparecen infantilizados ni artificialmente ennoblecidos. Muy por el contrario, son los niños de la avaricia salvaje, el pecado y el miedo. La palabra del título nombra (de acuerdo con la antropología de Mauss y Bataille) la acción ritualizada y tribal del gasto y de la entrega gratuita. En el universo de Arturo Carrera sirve para reunir todas las acciones que anudan los lazos familiares mediante el dinero.
Familia y dinero son las palabras que asocian los poemas en los que aparece la memoria puntual, nítida y cándida del poeta, que recuerda la relación entre la ostia de la comunión y las funciones digestivas que sobrevienen al comer “el cuerpo del otro”, como en una tribu salvaje.
El libro es una colección de figuras del dinero en la que también aparece el Río de la Plata como el espacio de la muerte, el terror y el “gasto inútil” de los cuerpos que se tragó el río. Pero también el libro es una construcción estética de la moneda que elabora desde una perspectiva “poética” el fetichismo de la mercancía marxista representado en el “asco” que provoca el billete o la moneda: dos objetos colmados de esteticismo en sus retratos, paisajes, viñetas y enseñanzas.
Muchos de los poemas rememoran el tiempo infantil del ahorro y de la codicia infantil que fortalece el espíritu de los niños en el ahorro y sus instituciones: la Caja de Ahorro, la colección de estampillas y figuritas.Todo un mundo de la vida cotidiana que une el paraíso perdido de la abundancia material al tiempo perdido de la pobreza y de la memoria. El dinero en ese mundo familiar es también un ritmo que cuenta el tiempo, lo escande y le da un sentido.
Por otra parte, el libro es un recorrido por los lugares de cruce entre infancia, familia y creación de capital infantil: los momentos de la infancia en los que se acrecienta el capital y se invierte en un improbable futuro. Papá Noel, Los Reyes Magos, El Ratón Pérez, Los ñoquis del 29, el vuelto del kiosco.
Es como si el poeta se preguntara por esos lugares en los que el dinero parece que se uniera a la magia y al punto más álgido del egoísmo humano. Arturo Carrera nos guía por esa “época dorada” para mostrarnos que detrás del oro de la memoria se agazapa el vil metal y los lazos perversos que construye la infancia. Es el tiempo del origen de la creencia, de la credulidad y finalmente del escepticismo y de la desilusión.
En el poema “Títere de la moneda”, Arturo Carrera condensa, como lo hace con cualquier objeto sobre el que pone la mirada, toda la estética del libro Potlatch y de una generación de escritores argentinos con los que su obra vive en constante diálogo: Aira, Lamborghini, etc...
Un niño llama a la casa para mendigar y el poeta le presenta la moneda enguantado en un títere benéfico: le da al mismo tiempo la moneda que pedía y algo más, una sonrisa. Pero el acto es del todo egoísta, dice el poeta: “Por suerte no soy yo”. El azar lo coloca en el lugar en el que tiene que organizar una representación para dominar la culpa, pero también es una imagen mínima de todo acto caritativo: la construcción de un personaje de “bondad” y, al mismo tiempo, es una evasión de la responsabilidad que infantiliza la acción, la quita de contexto y la vuelve pueril. Ahora la Argentina, en ese instante, es el país de la representación y ese intercambio único es la regla y la ley para todo intercambio posible. En ese “instante sin rencor”, Arturo Carrera nos dice en qué medida su obra piensa en pequeñas situaciones todo el universo y hasta qué punto esa reflexión es compleja. La dinámica de las clases enfrentadas no es sólo salvada por la moneda (otra representación) sino, mucho más importante, superada porque los personajes pueden construir un teatro “cómodo” para ellos: un títere y su público, un mundo de “amor sin culpa ni reproche”.
No se trata de que el instante sea una fragmentación de la complejidad, para volverla comprensible, sino todo lo contrario: es la mirada poética la que vuelve cada intervalo un crisol de actitudes, gestos y acciones que permiten entender, finalmente, el paisaje general.
Carpe Diem y Potlatch son dos libros únicos. No sólo porque se tratan de la invitación a recorren un nuevo momento en la obra de Arturo Carrera, algo siempre significativo para quien se interese por el lugar de la poesía en la literatura argentina. Son también dos libros en los que se puede indagar el valor de un día, pero también averiguar mediante la poesía acerca de eso que no tiene precio: la vida.

* * *

El don de la extrañeza
Florencia Abbate - TXT

Si un poeta viniera a decirnos: Quiero escribir un poemario sobre un tema antipoético por excelencia, el dinero, pero quiero además hablar de un tema por excelencia poético, la infancia, y quiero también que se reflejen los años de Perón, y quiero citarlo a Martínez Estrada, pero además a Shakespeare, y quiero usar tonos bien distintos –unos exquisitos y otros vulgares, unos de niño candoroso y enfático y otros de hombre cansado y reflexivo). Casi todos tenderíamos a desconfiar del resultado. Mas si se trata de Arturo Carrera, hay que confiar. No otra que ésa es la rara y atrevida labor que lleva a cabo en Potlatch, un libro que con la excusa de explorar el lugar del dinero en la infancia del poeta, envuelve al lector en un mundo inquietante que induce a considerar la vida en toda su extrañeza. Y qué hay más extraño que las sensaciones que a cada momento tenemos, y que son el principal objeto de investigación de la obra de Carrera, y que probablemente hayan sido todavía más vívidas, más desnudas, cuando éramos niños. En una página del libro, Carrera reproduce o inventa -qué más da- una carta de su hija: “y a mi mamá traele bestidos uno de verano y otro de himbierno y a mi ermano fermin traele un auto agrande a control y a mi tia traele sapatos de charol y a mi abuela traele unas chinelas blancas y a mi abuelo traele un calsonsillo-ana”. En otra cuenta: “Entonces yo lo ponía en una servilleta de papel, bien envueltito, porque me habían dicho que el diente no podía ir a cualquier lugar, que iba a lugares mágicos y que después el ratón con todos los dientes que juntaba se iba construyendo un castillo de la puta madre”. Carrera es un experto en el eclecticismo, la fragmentariedad, los contrastes, el montaje. Por eso a su poesía puede ingresar cualquier cosa, lo más banal, lo más antipoético, sin que pierda jamás esa lírica sutil e inconfundible, bella y caprichosa, que da forma a su estilo. De ahí que en algunos de los mejores poemas del libro (“Cuarta moneda”, “Otra moneda”, “Visible/Invisible”) tengamos la sensación inexplicable de que el secreto por el cual el poeta se ha vuelto cada vez más maduro en su arte, coincide con su capacidad para desarrollar el asombro del niño: “¿Cuántas veces necesitamos que nos digan / que la belleza es la arena movediza / de la certidumbre?”.

* * *

El oro de la infancia - POTLATCH por Arturo Carrera

Jorge Monteleone - La Nación - Argentina

A fines de 2003, Arturo Carrera publicó en México Carpe diem (filodecaballos editores/ ICOCULT) con un "Epílogo-haiku" de César Aira. Los apuntes mínimos -un día de pesca con el hijo, la acuarela de un arco iris de Klee, fugaces escenas en ciudades de Italia- se exaltan en la busca del poema por hallar el atajo para atrapar el instante vivido, como una flor arrancada al paso. A ese libro de alta concentración lírica siguió Potlatch, expansivo y digresivo hasta el resguardado tesoro de la infancia personal.

La extraordinaria realización poética del último libro de Carrera no es menos fascinante que el proyecto teórico que la sostiene. El estudio del potlatch proviene de un trabajo sociológico de Marcel Mauss sobre el intercambio económico en las sociedades arcaicas, llamado "Ensayo sobre el don" (1924). Reflexiona sobre un tipo de intercambio que, a diferencia de la economía capitalista -basada en la producción, la acumulación y el consumo-, se asienta en la donación, el derroche y el obsequio. Ese sistema de prestación colectivo, nunca individual, consiste en la obligación de darse obsequios entre clanes o familias, que también deben ser recibidos obligatoriamente. El potlatch es una de sus manifestaciones extremas: los donantes y donatarios se desafían entre sí con regalos cada vez más suntuosos, donde la rivalidad no se manifiesta en el privar al otro de una riqueza, sino en otorgársela. El ensayo de Mauss inspiró el libro de Georges Bataille La parte maldita (1949), donde se lee una "Teoría del potlatch". Bataille sostiene que la verdadera razón de ser de las sociedades humanas no es producir ni acumular, sino el derroche y el gasto improductivo, la periódica dilapidación de la riqueza. Esa tendencia, revelada oscuramente en el potlatch, reside en el corazón de la economía: en ella también se manifiestaría la inclinación del hombre hacia lo sagrado mediante acciones soberanas y sacrificiales, como la incesante donación. "El potlatch -escribió Bataille- permite percibir un lazo entre las conductas religiosas y las de la economía."

En el prólogo a su libro, Carrera retoma las nociones de Bataille, mientras repone la poesía en el lugar de ese vínculo con lo económico. Pero hace algo más: reconoce implícitamente el "valor" del intercambio lingüístico, percibe en la poesía el "oro" de la lengua, el "oro del sentido" como un donar constante del poema. El deslizamiento semántico hacia el dinero, como materia simbólica para la imaginación y, a la vez, hacia la infancia como esa "edad de oro" de la que hablaba Novalis, reúne en este libro monedas y poemas: la intimidad de la niñez y la exterioridad del dinero cruzados en el potlatch, como una especie de lógica poética. ¿Acaso no es también la poesía -se pregunta Carrera -"un puro potlatch con formas, con palabras que vuelven a cruzarse en un umbral tan frágil como el sueño, como el balbuceo, como el tintineo oído de unas monedas raras que sostiene un niño?"

Potlatch no sólo es una continuación de los libros anteriores, El vespertillo de las parcas (1997) y Tratado de las sensaciones (2002). También es un lejanísimo eco de aquel libro que Carrera publicó cuando acuñaba las doraduras del signo neobarroco: Oro, de 1975 (que podría vincularse vertiginosamente con las cinceladuras de oro del vocablo modernista, desde Las montañas del oro a El dorador, de Lugones). Potlatch alude al libro de 1975 en el nombre de la primera sección de este nuevo libro, "Oro", y en algunos poemas, como si fuesen la continuación y la revisión de aquellos versos que decían: "El escriba escribía/ cosa preciosa es mi vida/ yo soy un poeta/ de oro es el tesoro". La vida reside aquí en el escenario autobiográfico de la infancia: la ciudad en la que nació el poeta, Pringles, provincia de Buenos Aires, en la década del cincuenta, durante el peronismo (y con ello este libro merece ser leído en la perspectiva de una narración coetánea: El tilo, de César Aira). El motivo de Potlatch -en sus transacciones reales y también metafóricas- es el dinero, pero en uno de los avatares que podríamos llamar, sin mayor exageración, más fantásticos: la moneda argentina. En las seis secciones del volumen hay dos registros básicos: uno es el más habitual de los poemas de Carrera, esas breves constelaciones de versos como intermitencias en la página: registro de sensaciones, de recuerdos, de pensar veloz sobre las cosas, donde el lirismo se une a ráfagas de relato. El otro se halla al final de cada sección: un texto llamado "Data", escrito en un tono oral francamente narrativo, donde una o dos voces cuentan episodios infantiles, con una inocencia que suele volverse desopilante.

Las cadenas asociativas que acumula el cruce de dinero e infancia en los poemas son vastas, y la sensibilidad cuantiosa y el rico humor de Carrera jamás las desperdician. Entre muchas alusiones, se hallan referencias documentales a las monedas y billetes de la Nación, como hitos de época; o el apunte de la brutal depreciación social del presente al recordar, por ejemplo, que el escolar argentino depositaba dinero en estampillas para su libretita de la Caja Nacional de Ahorro Postal; o las varias acciones que el dinero connota: dar y recibir, prestar y gastar, vender y comprar. Hay un aire de nostalgia, a veces melancólico y otras veces risible, en los episodios familiares. Y con ellos, imágenes preciadas: alcancías, moneditas de los padrinos, vueltos de almacén, billetes que dejan los ratones por los dientes caídos, el Plata y la plata y el zahir de Borges, hostias que se amonedan en las bocas, heces de los niños que simbolizan el oro, el "don de acumular que despilfarra lo deseado". El efecto no es monumental o memorialista, sino ligero o irónico y, casi siempre, epifánico.

Potlatch habla de la lúdica gratuidad de la belleza, de la dádiva del oro de la infancia en la memoria del poema. De notable resolución estética, es menos un libro de poesía que otro don del lenguaje.

Arturo Carrera

2010-05-10T02:22:00.001-07:00

Arturo Carrera nació en Pringles, provincia de Buenos Aires, Argentina, en 1948. Cursó estudios de Medicina y Letras en la Universidad de Buenos Aires. Ha publicado más de veinte libros de poesía. Destacan entre ellos, Escrito con un nictógrafo (1972), Oro (1975), Arturo y yo (1983), La banda oscura de Alejandro (1994), El vespertillo de las parcas (1997), Children’s corner (1999), Carpe Diem (2004), Potlatch (2004), La inocencia (2006) y Las cuatro estaciones (2008). Este último libro fue merecedor del premio al mejor libro de poesía hispanoamericano del bienio 2007-2009 del Festival de la Lira, Cuenca, Ecuador, 2009. Su Tratado de las sensaciones (Pre-Textos, Valencia, 2002) fue elegido por El País como el mejor libro de poesía del año. Otras distinciones incluyen el Premio Konex (2004), el Primer Premio Municipal de Poesía (1998), el Premio Nacional de Poesía M. Kohen (1985), la Beca Antorchas (1990) y la Beca Guggenheim (1995). Sus ensayos se han recopilado en los volúmenes Nacen los otros (2001) y Ensayos murmurados (2009). Ha traducido a Mallarmé, Michaux, Bonnefoy, Haroldo de Campos, Maurice Roche, Ashbery, Penna y Pasolini. Ha sido profesor invitado en las Universidades de Illinois y Carolina del Norte y en la Fundación Antorchas de Argentina. Su obra se ha traducido a diversas lenguas. Junto al dramaturgo y poeta Emeterio Cerro fundó el teatro de títeres El escándalo de la serpentina. Funda en 2006 con Juan José Cambre, César Aira, Alfredo Prior y otros artistas Estación Pringles: utopía reticular que ahora se materializa en la forma de un centro de traductores literarios, posta poética, un lugar de paso y de intervenciones múltiples.

Forrest Gander

2010-05-10T02:10:00.000-07:00

Forrest Gander es autor de varios libros de poesía entre los que destacan Eye Against Eye (con fotos de Sally Mann), Torn Awake, y Science & Steepleflower en la editorial New Directions y la reciente novela As a Friend. Es traductor de Firefly Under the Tongue: Selected Poems of Coral Bracho, No Shelter: Selected Poems of Pura López Colomé y dos libros de Jaime Sáenz, Immanent Visitor y The Night (en colaboración con Kent Johnson). También ha editado dos antologías de poesía mexicana. Es becario del United States Artists Rockefeller Fellowship y ha recibido becas de las fundaciones Guggenheim, Whiting, Howard, y del National Endowment for the Arts, entre otros. Es profesor de literatura en la Universidad de Brown.